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Próximamente saldrá este disco. Nuestro amigo Abel Gilbert nos escribió un comentario para el booklet que me parece revelador. Abajo del mismo está adjuntada info sobre el grupo.
"Stalag VIII A, Gorlitz. Premier del Cuarteto para el fin de los tiempos. 15 de enero de 1941. Interpretado por Oliver Messiaen, Ettiene Pasquier, Jean Le Boulaire y Henri Akoka". Pero Stalag no era un teatro sino un campo de concentración erigido en Gorlitz-Moys, Silesia; un "work in progress" de la industrialización de la muerte.
En agosto de 1938 Messiaen, quien para entonces era el principal organista de la Iglesia de la Trinidad de París y un compositor de proyección, fue convocado al servicio militar; y en el verano de 1940, ya desatada la II Guerra Mundial, fue capturado por los alemanes.
En su "relato", Messiaen refiere que al ingresar a Stalag VIII entabló una lucha cuerpo a cuerpo con un oficial alemán para preservar sus partituras. Sin embargo, la historia fue diferente: no solo retuvo sus partituras, sino que también fue aliviado de las faenas de las barracas y se le proveyó de hojas pentagramadas, lápices, goma de borrar y calefacción; privilegios en un lugar en el que muchos murieron a causa de las bajas temperaturas y donde el robo de tres papas era castigado con el fusilamiento.
Al respecto, Rebbeca Rischin -autora de la más completa investigación sobre esta obra- en For the end time: The story of the Messiaen Quartet (Cornell Paperbacks) comenta que el incidente prefiguró el posterior tratamiento que le dispensaron al compositor: "Fue alentado a componer, y la actuación no solo fue facilitada sino celebrada". Asimismo, señala que nunca se hubiera estrenado en Stalag "de no haber sido por la melomanía de los oficiales alemanes", y que a partir de ese momento la obra se desplegó con todo su portento y complejidad. El Cuarteto "refuta los clichés del cautiverio".
El violonchelo con el cual se ejecutó la obra nunca tuvo tres cuerdas como dijo el compositor sino las cuatro; el piano no estaba en condiciones deplorables; el comandante del campo permitió a los músicos ensayar cuatro horas diarias, y no hubo tres mil oyentes sino aproximadamente doscientos.
¿Cuál fue la necesidad de esas distorsiones históricas? La alteración intencional de esos detalles sirvió para aumentar la leyenda. Messiaen dotó a la historia de un aura milagrosa; la mitificación ayudó a acallar las circunstancias de su estreno. Se trató de la puesta en escena de uno de los actos más cínicos que conoció la humanidad; de un dispositivo comunicacional para mostrarle a la Cruz Roja que los prisioneros de guerra eran bien atendidos.
Stalag VIII y los ocho movimientos del Cuarteto. Siete es el número perfecto: la Creación en seis días santificada por el Sabbath. Los siete días de reposo extendidos en la eternidad y que devienen el octavo día de la luz eterna, de la paz inalterable. El Cuarteto se inspiró en los primeros seis versos del décimo capítulo de la Revelación, cuando el ángel del Apocalipsis baja del cielo y declara que no habrá más tiempo. Es difícil pasar por alto la analogía entre la predicción del ángel y los atroces acontecimientos por los que atravesaba Europa, y Messiaen en particular. El compositor admitió que indirectamente la guerra reavivó su interés en este libro del Nuevo Testamento. O mejor dicho: las privaciones lo llevaron a tener sueños -casi alucinaciones- que él asoció con imágenes de la Revelación. El ángel coronado con el arco iris era salvador y musa; y la frase "Ya no habrá más tiempo" le sugirió la idea de la eternidad.
El Cuarteto es un punto de inflexión en la obra de Messiaen, entre otras cosas, porque es la primera en la que el autor incorpora de una manera clara sus "cantos de pájaros" y comienza a trabajar con los ritmos no retrogradables. Posee una densa carga religiosa, y presenta la paradoja extraordinaria de haber sido estrenada junto a un agnóstico -Pasquier-, un ateo -Le Boulaire- y un judío trotskista, Akoka. Al respecto, Le Boulaire hace mención de la "bizarra armonía" entre los cuatro. La obra termina siendo también un enorme acto de fe en la condición humana, aun en las más brutales situaciones. Dicho con las palabras de Pasquier: "nosotros teníamos fe en Messiaen".
Toru Takemitsu (1930-1996) al escucharla ha sentido el inevitable arrobamiento. Quatrain II, de 1977, es claramente un tributo al Cuarteto de Messiaen y en ella también se filtran los ecos de la II Guerra. En The music of Takemitsu (Cambridge University Press, 2006), Peter Burt subraya lo problemático que resulta relacionar los logros del compositor japonés con la escena musical occidental.
Para comprenderlos mejor hay que mirar hacia atrás; poner el acento en las preocupaciones estéticas de los músicos que lo precedieron en la isla, y observar más detenidamente las huellas del Japón de las prohibiciones y los tabúes, donde a medida que iba cambiando la configuración socioeconómica lograba introducirse a cuentagotas la información exógena. La música japonesa es parte de una dialéctica entre las fuerzas cosmopolitas y el nacionalismo regresivo. Y esa oscilación no será indiferente en cada uno de los períodos por los que atravesó Takemitsu: el del músico japonés que esboza su proyecto personal en un entorno aislado; el del artista consciente de las coordenadas que signan su época -el fin de la II Guerra-, y el del compositor que posteriormente, vía John Cage, toma un desvío en el camino de la modernidad para reencontrarse con la música, los rituales y la espiritualidad japonesas.
Takemitsu no puede ser reducido a categorías analíticas convencionales. Tal vez en esa imposibilidad de totalizarlo radique uno de los secretos de su belleza; caso contrario, Quatrain II por momentos podría parecer un ejercicio sofisticado de cut and paste, un juego pasajero con el timbre y las resonancias. Pero en Takemitsu los materiales y procedimientos constructivos se ponen en tensión con otro campo de fuerzas.
En Quatrain II pueden advertirse las huellas de Anton Webern, de Claude Debussy y, en especial, de Messiaen y su doxa (el libro La técnica de mi lenguaje musical). Sin embargo, el vector central de la obra es su concepción del tiempo. El silencio en este cuarteto no es solo un sistema de puntuación y separación sino, además, un manifiesto espiritual.
Messiaen y Takemitsu. Oriente y Occidente. El juego de los espejos y de la contaminación mutua. Sesenta y seis años transcurrieron del estreno del Quarteto, y tres décadas del de Quatrain.
En otra "otredad" como lo es Buenos Aires e impulsados por la fascinación, cuatro intérpretes -tres argentinos y uno español- deciden colocar los espejos frente a frente; mirarlos; mirarse y ser parte de esa misma eternidad en la que el tiempo se manifiesta.
Abel Gilbert
"ENSAMBLE NOX"
Creado a fines de 2004, el "Ensamble Nox" es una de las más calificadas agrupaciones orientadas a la interpretación de la música de cámara de los siglos XX y XXI.
Formado por cuatro instrumentistas de relevada formación académica e intensa labor profesional en el ámbito musical de la ciudad porteña, debe su nombre a la diosa de la noche, según la mitología griega (adaptada por sus predecesores romanos).
El encuentro de un clarinete, violín, violoncello y piano, nos lleva a pensar inmediatamente en el famoso "Cuarteto para el Fin de los Tiempos" de Olivier Messiaen, obra con la que se estrenó el "Nox" y motivación primordial para la creación de dicha agrupación.
El "Ensamble Nox", ofrece numerosos conciertos en la ciudad de Buenos Aires, destacando especialmente el concierto ofrecido en el C. C. Rojas en conmemoración a las víctimas del golpe de Estado (24 de Marzo de 2006). Asimismo, son invitados por el Centro Cultural Parque de España (Rosario), dentro del ciclo de música "Contemporáneo del Mundo 2006". Concierto elogiado por la crítica como "una perfomance fiel en su técnica y de profunda espiritualidad." (Página 12/Rosario)
www.pagina12.com..diario..suplementos..rosario..12-3216-2006-04-24.html
English
We are releasing a Cd including Messiaen’s Quartet and Quatrain II by Takemitsu. Our friend Abel Gilbert wrote this revealing comment, which I ’d like to share. After it, there is some info about the group.
"Stalag VIII A, Gorlitz. Premier of the Quartet for the End of Time, 15th January, 1941. Performed by Oliver Messiaen, Ettiene Pasquier, Jean Le Boulaire and Henri Akoka". But Stalag was not a theatre: it was a concentration camp built in Gorlitz-Moys, Silesia; a "work in progress" of death industrialization.
In August 1938, Messiaen, who was by then the main organist of Trinity Church in Paris and a renowned composer, was recruited for the military service; and in Summer 1940, with the II World War already unleashed, he was captured by the Germans.
In his story, Messiaen tells that when he got to Stalag VIII he had a hand-to-hand fight with a German officer to preserve his scores. However, facts were different: not only he kept his scores, but he was also relieved of works at the shacks. Indeed he was provided with music papers, pencils, rubbers and heating; privileges in a place where many died because of low temperatures and the stealing of three potatoes was punished with execution.
About this, Rebecca Rischin – author of the most complete investigation about this work – in For the end of Time: The Story of the Messiaen Quartet (Cornell Paperbacks) says that the incident foreshadowed the treatment the composer received later: "He was encouraged to compose, and the performance was not only facilitated but also celebrated". As well, she points out that the piece would have never been premiered in Stalag "if it hadn’t been for the German officers’ melomania", and from that moment on, the composition opened out its wonder and complexity. The Quartet "refutes the captivity clichés".
The cello did never have three strings, as the composer related, but the four; the piano was not in deplorable condition; the camp commander allowed musicians to rehearse four hours a day, and the audience was not of three thousand people but about two hundred.
Why such historical distortions? The intentional changes of these details helped to make the legend grow. Messiaen gave the story a miraculous aura; the mystifying helped to silence the circumstances of the premiere. All this was about the staging of one of the most cynical acts mankind has ever seen; a communicational device to show the Red Cross that the prisoners were well cared.
Stalag VIII and the eight movements of the Quartet. Seven is the perfect number: Creation in six days sanctified by the Sabbath. Seven days of extended rest in eternity come about the eighth day of eternal light, of inalterable peace. The Quartet was inspired in the first six verses of the tenth chapter of The Revelation, in which the Apocalypse angel comes down from heaven announcing there is no more time. It’s hard to leave out the analogy between the angel’s prediction and the terrible times Europe and Messiaen particularly were going through,. The composer admitted that indirectly war revived his interest in this New Testament’s book. In other words, deprivations made him have dreams – almost hallucinations – that he associated with images of the Apocalypse. The angel crowned with the rainbow was saver and muse; and the phrase "There won’t be more time" gave him the idea of eternity.
The Quartet is a point of inflection in Messiaen’s work, among other things, because is the first time the author includes, in a precise way, the "bird singing" and starts working with non-retrogradeable rhythms. It has a heavy religious charge and shows the extraordinary paradox of being premiered together with an Agnostic – Pasquier -, an Atheist – Le Boulaire – and a Trotskyite Jew, Akoka. About this, Le Boulaire mentions the "odd harmony" between the four of them. Finally, the piece arises as an enormous act of faith in human condition, even in worst situations. In words of Pasquier: "we had faith in Messiaen".
Toru Takemitsu (1930 – 1996) became unavoidably entranced as he heard it. Quatrain II, 1977, is clearly a tribute to Messiaen’s Quartet and echoes of the II World War filter through it. In The music of Takemitsu (Cambridge University Press, 2006), Peter Burt underlines the difficulties of trying to relate the achievements of the composer with the occidental musical scene.
To understand them better it is necessary to look backwards, put the accent in the precedent musicians in the island and their esthetical worries, and observe thoroughly the marks of the Japanese prohibitions and taboos, considering that while the socioeconomic configuration changed it allowed to introduce, slightly, external information. Japanese music is part of a dialectics between cosmopolitan and regressive nationalism forces. And this oscillation will not be indifferent along any period Takemitsu went over: a Japanese musician that sketches his personal project in an isolated environment; an artist conscious about the facts that sign his age – the end of the II World War -, and a composer that later on, through John Cage, takes a deviation to modernity to rejoin with music, rituals and Japanese’s spirituality.
Takemitsu can not be reduced to conventional analytical categories. Maybe this impossibility of totalizing him is the secret of his beauty. Otherwise, Quatrain II could, in certain moments, look like a sophisticated exercise of cut and paste, a passing game between timbres and resonances. But in Takemitsu, materials and constructive procedures became tense in other field of forces.
In Quatrain II it’s possible to find the marks of Anton Webern, Claude Debussy and, specially, Messiaen and his doxa ("The technique of my musical language"). However, the main point of the play is the conception of time. The silence in this quartet is not only a punctuation and separation systems, but also a spiritual manifesto.
Messiaen and Takemitsu. Orient and Occident. The mirror game and the mutual pollution. Sixty six years have passed since the premiere of the Quartet, and three decades from the Quatrain.
In other age, in Buenos Aires and motivated by the fascination, four performers – three from Argentina and one from Spain – decide to put the mirrors face to face; watch them; watch themselves and be part of the same eternity in which time manifests itself.
Abel Gilbert
Ensamble Nox
Created in the late 2004, "Ensamble Nox" is one of the most qualified groups directed to perform chamber music of the XX and XXI centuries.
Formed by four musicians with highlighted academic studies and an intensive professional work within Buenos Aires musical area, it owes its name to the Goddess of Night, according to Greek mythology (adapted from their predecessors, the Romans).
Joining in a clarinet, a violin, a cello and a piano, take us straightly to think about the famous Olivier Messiaen’s "Quartet for the Ending of Times", play with which "Nox" premiered and became the main motivation for the creation of this group.
"Ensamble Nox" offers several concerts in Buenos Aires, with special emphasize on the concert performed at "C.C. Rojas" to commemorate the victims of the coup d’état (24th March, 2006). As well, they have been invited by the "Centro Cultural Parque de España" (Rosario), for the "Contemporáneo del Mundo 2006" music cycle. This concert has been praised by the critics as "a loyal performance in its technique and of deep spirituality". (Página 12 / Rosario).