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Pop und Rock aus Österreich und der Schweiz. Wolfgang Ambros, Georg Danzer, DJ Ötzi hier, Krokus, Polo Hofer, DJ Bobo dort. Zuletzt Christina Stürmer (na ja) und Stefanie Heinzmann (ok). Wenig Grund, neidisch über die Berge zu blicken. Und jetzt das. Ja, Panik aus dem Burgenland. Und Sophie Hunger aus Bern. Chapeau, liebe Nachbarn.

Anfangs sieht es im Mousonturm so aus, als würde sich nur eine Handvoll Besucher auf der Studiobühne verlieren. Dann aber ist’s doch gut gefüllt bei Ja, Panik, den Neu-Berlinern. Ja-Panik_Foto_Kinsler_507Optisch (sorry, Jungs) lieb und brav wie eine Schülerband, musikalisch aber mit vielen Wassern gewaschen. Oft erwähnt und immer wieder zitierenswert: mit ihrem deutschsprachigen Rock kann man sie eher in einer Traditionslinie mit Rio und den frühen Fehlfarben denn in irgendeiner (geschweige denn Hamburger) Schule sehen. Aufgewühlt, ruhelos, hinterfragend, aufgeregt, aufregend – Gitarrenrock à la Libertines mit fast klassischen Pianoeinwürfen: “Musik wie ein Manifest”, schrieb das JOURNAL FRANKFURT in seiner Vorschau. Und genau das erfüllt Ja, Panik auch. Unprätentiös gespielter Rock mit Anspruch. Kunst ohne Künstlichkeit. Gitarren, wie man sie auch schroff bei The Clash zu hören bekam. Eine stakkato angeschlagenes E-Piano mit Cockney Rebel-Appeal ohne deren Glamour drumrum. Eine Kirchenorgel wie weiland bei Procol Harum. Wüste Feedbacks und laute Bottleneck-Verzerrungen. Und immer wieder von englischen Phrasen/Zeilen durchsetzte deutsche Texte. Ein vollkommen undogmatischer Umgang in solchen „Stil“fragen. Songs vom Album „The Angst And The Money“ mit Zeilen wie „Eine Welt ist aus Zucker, doch eine Welt ist immer noch aus Dreck”. Wunderbar. Weiter machen. Mal sehen, wie Berlin die Mittzwanziger inspirieren wird. Was ist von ihrer Zeit – außer dem Song „Wien, du bist ein Taschenmesser“ – hängen geblieben? Kein Schmäh, kein Heurigen-Seligkeit, kein „Dritter Mann“, vielleicht ein wenig Kreisler und Zentralfriedhof? Selber hören und raus finden.

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Einmal schlafen, dann ist Eidgenossen-Tag. 15 Uhr, Unplugged-Gig Sophie Hunger im Rahmen der Plattenladenwoche bei CDs am Goethehaus. Fast die ganze Band kommt, vier von fünf. Es wird eng im Basement. Sophie mit akustischer Gitarre. Gitarrist Christian Prader (Neu-Frankfurter und Student an der Musikhochschule) bringt auch seine Flöte mit. Michael Flury wechselt zwischen (gestopfter) Posaune und Glockenspiel. Und Schlagzeuger Julian Sartorius richtet sich auf der Sitzecke ein, legt seine Becken auf Zeitschriften, nutzt Bank und Karton des Glockenspiels, um sie mit Stöcken und Besen zu bearbeiten und perkussiv zu nutzen. Improvisationstalent gehört zu solchen Events. Aber erst mal beginnt Sophie a cappella und auf Schwyzer Dütsch und hat alle im Raum sofort für sich gefangen genommen. So nah, so anders, so speziell. Ein toller Appetizer fürs vom JOURNAL FRANKFURT präsentierten, ausverkauften Konzert abends im neuen Bett.

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Da ist noch Bassist Simon Gerber mit der Partie. Und Prader hat noch ein Steinway-Flügel. Aber auch hier beginnt Hunger ganz allein. Wieder mit „Die Fahrende“ von Liedermacher Walter Lietha. Schon bald ist klar, was den besonderen Reiz dieser Band – neben Sophies Stimme – ausmacht. Das unorthodoxe Spiel auf orthodoxen Instrumenten. Und zusätzliche die Kombination von zum Beispiel Posaune und Barock-Holzflöte. Flury wird so was wie der Publikumsliebling des Abends. Sein Instrument klingt mitunter sehr alpenländisch (schließlich muss man kein Alphorn mit sich herum schleppen), dann wie die Stimme der Lehrerin bei „Charlie Brown), mehrstimmig wie beim großen Frankfurter Albert Mangelsdorff oder mit Quasi-WahWah-Effekt dank brillanter Dämpfertechnik: Folk, Psychedelia, Jazz – all inclusive. Wer Sophie Hunger als ätherische Singer/Songwriterin auf dem Zettel hatte, konnte schnell herausfinden: Hier ist keine Filigrankünstlerin am Werk, hier ist viel Power, Energie, gar Wut im Spiel. Subtilität ja, Fragilität, nein danke! Ihre Stimme vereint auf faszinierende Weise the best of many worlds. Sie hat die Dynamik, wie sie auch Katharina Franck (Ex-Rainbirds) auszeichnet. Sie hat – was sie wohltuend absetzt von den kindlich klingenden französischen Kolleginnen – ein wohlig tiefes Timbre wie es auch Sarah Bettens (K`s Choice besetzt). Und Ausschmückungen an den Enden der Zeilen wie Fiona Apple auf ihrem Debüt „Tidal“. Ein schier unerschöpfliches Vokal-Potential. Nur Melanie wie Kollege N. mag ich nicht wahrnehmen. Kein Wunder – die mochte ich auch nie wegen meines Banknachbarn in der Schule. Der hörte nichts anderes. Das prägt. Für mich bringt „Birth-Day“ eher auf wundersame Weise Stones-Balladen mit der simpel-wirkungsvollen Art der Arrangements der Plastic Ono Band zusammen – mit einer Dylan-Harp als Sahnehäubchen. La Hunger als Protestsängerin.

Wenn sie zum Flügel wechselt, wird sie fast zur Sarah Vaughan. Auf alle Fälle schafft sie es mühelos, in nur einem Song lässig alle skandinavischen Jazz-Pop-Diseusen (Sidsel Endresen einmal ausgeschlossen) aus dem Rennen zu werfen. Und wenn dann noch die Posaune dazu kommt, wird auch der Mentor der Schwedinnen und Norwegerinnen, Nils Landgren ins Abseits gestellt. An der Gitarre vermag sie den Jimmy Page zu geben – eine aggressiv bearbeitete Akustische, jeder Schlag ein Treffer, alles passt. Effektiver als Ani diFranco. Gecovert wird auch noch zwei Mal. „Aber das sind jetzt unsere eigenen Lieder“, sagt Sophie Hunger, singt – nach schwyzerdütsch, englisch, hochdeutsch (den wunderbaren „Walzer für niemand“) – jetzt auch noch französisch: Noir Desirs „Le Vent nous portera“. Sophies Übersetzung einer zentralen Passage gerät stockend – die Worte wollen wohl gewählt sein, Deutsch ist nicht ihre erste Sprache. Hinter mir kommentieren zwei dumme Hühner, die fast den ganzen Abend durchschwätzten (warum entscheidet man sich, in ein anspruchsvolles Konzert zu geben, um dann respektlos vor Musik, Musikern und konzentriertem Publikum nur dummes Zeugs zu blubbern wie in der Kneipe?), die Sängerin sei wohl Autistin… Herzlich Glückwunsch zum ADHS! Dann noch – mit zwei E-Gitarren – Dylans „Like A Rolling Stone“ vollkommen polypenfrei. Ein neuer, noch nicht fertig instrumentierter Song wird mehrstimmig gegeben. Zur dritten Zugabe – enthusiastisch gefordert von einem total begeisterten Publikum – setzen sich die Musiker an den Bühnenrand und singen den Mond an wie überhaupt Sophie öfters mal gen Himmel strahlte.

Von Samstag auf Sonntag regnete es vielerorts noch Katzen und Hund, für Sonntag aber war schönstes Wetter angesagt: „Meist freundlich, Sonnenschein und ein paar harmlose Wolken, trocken, 22- 27°.“ Und der hr-Text sollte Recht behalten. Wunderbar. Ein Bilderbuch-Start fürs diesjährige Summer in The City und das erste Konzert von Jazz im Museum am Sonntag. Auch die neue Spielstätte wurde bestens angenommen. Und Nils Petter Molvaer war der erhofft attraktive Auftakt für die Reihe. Fast 500 Tickets waren bereits im Vorverkauf abgesetzt worden, ein Novum. Das hatte es in all den Jahren im Historischen Museum nicht gegeben. Und da waren die Tickets für 5 Euro noch um 7 Euro billiger als anno 2009. „Die Besucher sollen sich den neuen Platz erobern“, hatte Mousonturm-Intendant Dieter Buroch als Veranstalter des Summer In The City noch bei der Pressekonferenz von der Idylle im Garten des Museums geschwärmt und war entsprechend gespannt auf die Premiere.

Und siehe da: die halbrunde Bühnenkonstruktion passte sich bestens in den Garten ein, auf dem leicht abschüssigen Rasen standen Stühle, dahinter dann Apfelweinbänke – alles gestaltete sich lässig, die Gastronomie im Café im Liebieghaus hatte sich bestens auf die Situation eingestellt, die museumseigenen Wachleute zeigten sich zurückhaltend und nicht allzu sehr um ihr Gelände besorgt. Eine alles in allem gelungene Veranstaltung, zu der – geschätzt – letztlich um die 1.000 Besucher gekommen waren – ein Spitzenwert.

So rieb sich auch Nils Petter Molvaer zu einer für Jazzmusiker frühen Stunde die Augen, zeigte sich sehr erfreut und begrüßte sein alles andere als schläfriges, sondern sehr aufmerksames und begeistertes Publikum. „Ich bin überrascht, so viele Menschen hier an einem Sonntagmorgen zu sehen und nicht in der Kirche.“ Dabei hatte der Beginn seines Auftritt in kleiner Triobesetzung mit Eivind Aarset (Gitarre) und Audun Kleive (Schlagzeug) durchaus etwas Andächtiges, Meditatives, Ruhiges. Zunächst spielte er solo auf seiner Trompete, erst langsam kamen die anderen Instrumente dazu, begannen die Beats – eher noch zeitlupenhaft – zu greifen und groovten selbst im langsamsten Tempo. Wie schon auf der neuen CD „Hamada” kam aber auch im Konzert mit Fortdauer mehr Dynamik ins Spiel und plötzlich laut und wilder, gar ekstatischer. Da war es dann für Momente mit dem Träumen und sich in schönen Ambient-Klängen Verlieren vorbei… Aber gerade auch diese Ausbrüche wurden vom Publikum frenetisch bejubelt.

Was Molvaers Musik auszeichnet, ist, dass es nicht bei reiner, ästhetischer Klangmalerei bleibt. Ein gesundes Maß an Härte und Kontrasten schafft eine gesunde Balance aus akustischem und elektrisch/elektronischem Spiel. So klingen gerade Trompete und E-Gitarre konkret und abstrakt zugleich und schaffen zu zweit einen Klangfarbenreichtum, den sonst eine vielköpfige Band nicht auf die Bühne bringt. Das Schlagzeug dazu ist minimalistisch, differenziert, aber auch akzentuiert und dominierend an anderen Stellen. Alle Drei verstehen es, ihr Publikum immer wieder zu überraschen: Molvaer mit gesungenen Phrasen zu Trompeten-Loops, Aarset mit Ambient-mäßigen Gitarren-Sounds und Kleive mit ganz spezieller „Body-Percussion“, einem Beckensolo auf dem Bauch und sich selbst als Klangkörper.

Ist die immer wieder als eindrucksvoll gewertete Klangwelt des Trios tatsächlich eine rein nordische Musik? Man mag der Suggestion der vielen Kritiker, die das so hören wollen, erliegen. Aber wer genau hinhört, kann – bei entsprechenden Klangbeispielen als Referenzen auf der eigenen Festplatte im Kopf – durchaus gedanklich eine Reise gleich über mehrere Kontinente, Afrika und Asien vor allem, antreten. Da klingen dann plötzlich Becken und Glöckchen nach Tibet und Nepal und andere Passagen balinesische Gamelanmusik.

 

Vielleicht ist das Ganze ja auch eine globale Geisterbeschwörungs- oder zumindest Nomandenmusik mit Mitteln des Jazz und Dub neu und auch urban umgesetzt?!

Fotos: Detlef Kinsler

Es ist wie im Leben. Man sollte auch bei Konzerten nicht immer zu viel erwarten, um heftige Enttäuschungen zu vermeiden. Tatsächlich denkt man bei so mancher Ankündigung in den Club-Programmen, das könnte in die Hose gehen, eher peinlich enden. Das mag sich manch einer auch gedacht haben, als der Auftritt der New York Dolls bekannt gegeben wurde. In die Jahre gekommene Früh-Siebzigerjahre-Helden – wie verkaufen die sich heute? Die Neugierde und die Tatsache, dass die Sommermonate nicht gerade mit Rock-Konzerten gesegnet sind, trieb mich dann doch in die Kapp. Und da traf man dann all jene, die selber mal als Punks auf der Bühne gestanden haben oder auch jene, die auch heute noch an den Traum von Sex & Drugs & Rock’n’Roll glauben und sich für den Abend in Stimmung gebracht hatten.

Drummer Brian Delaney, Bassist Sami Yaffa und die beiden Gitarristen Steve Conte und Sylvain Sylvain enterten cool die Bühne und gaben musikalisch gleich Gas. Klar, dass das einzig verbliebene Gründungsmitglied von 1979, Frontmann David Johansen, sich den dramaturgischen Luxus gönnte als letzter vors Publikum zu treten – beklatscht von seinen Fans, die diesen Moment schon den ganzen Abend herbei gesehnt hatten. Unglaublich, aber der Mann schien tatsächlich die Ankündigung im JOURNAL FRANKFURT gelesen zu haben: „Waren die New Yorker nun die Erfinder des Glam Rock oder Vorreiter des Punk – egal, Hauptsache sie sind nie so groß geworden wie die Stones und so können sie heute auch noch locker als die wahren Glimmer Twins auftreten. Denn mit Jagger/Richards wollen es Johansen/Sylvain gerne aufnehmen…“.

Und Johansen – immerhin auch schon 59 – tänzelte auf die Bühne und sah Jagger beinah ähnlicher als Mick sich selber. Inzwischen sauber gestyltes, nur noch nackenlanges Haupthaar, nicht ganz so dicke, aber genauso schmollende Lippen und eine gewisse – hier aber selbstironischere – Blassiertheit, keinen Arsch in der Hose, aber immerhin keine Hasenpfote vorne drin, spindeldürr, bestens in Form und mit rotziger Stimme ausgestattet. Nur mit seinem transparenten, türkisfarbenen Hemd aus Kunstfasern hatte der Sänger ins Klo gegriffen. Das merkte er beim schweißtreibenden Konzert schnell selber, stand er doch mit dem Rücken zum Publikum vorm Schlagzeugpodest, roch unter seinen Achseln und verzog das Gesicht zu einer echten Grimasse.

Klar – das Set kam nicht gänzlich ohne Punk und Glamour aus. Aber unterm Strich gaben die New York Dolls die zeitlose Rock’n’Roll-Kapelle, streiften den Blues mit Johansen an der Mundharmonika, setzten bei aller Erdigkeit auch auf ..ne Menge Effekte in der Gitarrenarbeit, hatten Hymnisches à la Mott The Hoople und frühe Queen, Androgynes wie Bowie und T Rex, dabei immer eine begeisternde Energie zu bieten. Die Rhythmussektion pumpte die Beats heraus, Steve Conte übernahm die Rolle der Frontsau während sein Kultkollege Sylvain Sylvian sich mehr in der Rolle des Clowns gefiel und auf sympathischste Weise mit den Fans kommunizierte.

Wie cool war das denn – nichts erwartet und dann so eine Party und endlich einmal Face to face gesehen, was Generationen von Musikern, darunter Kiss, Aerosmith, The Ramones, Blondie, The Sex Pistols, The Damned, Motley Crue, Guns N’ Roses, Hanoi Rocks, The Strokes, The Libertines, musikalisch wie optisch als Rôle Model diente. Ein geiles Konzert. Und erfreulich, dass die „Alten“ heute fitter scheinen als zu Beginn ihrer Karriere.

Fotos: Detlef Kinsler

„Hatte Patti Smith (www.myspace.com/pattismith) eigentlich noch einen Hit außer ,Because The Night..?“, fragte mich mein Chefredakteur bevor ich die Redaktion Richtung Jahrhunderthalle verließ. „Nicht wirklich“, konnte ich da guten Gewissens antworten. Der 1978 mit Bruce Springsteen geschriebene Song war ihre kommerziell einzig erfolgreiche Single. Aber die Wichtigkeit von Patti Smith lässt sich sicher nicht in solchen Kategorien messen. Die Frau ist eher ein Gesamtkunstwerk. Ihre ersten vier Alben „Horses“, „Radio Ethiopia“, „Easter“ und „Wave“, bereits zwischen 1975 und 1979 erschienen, waren, sind und bleiben Meilensteine der Rock-Geschichte und begründeten ihren anhaltenden Ruf und Ruhm als „Hohepriesterin des Punk“, Ikone der Frauenbewegung und Poetin mit großen Vorbildern wie Baudelaire, Rimbaud oder William Blake. Entsprechend bunt gemischt war – abhängig davon, wer sich wie dem Phänomen Smith nähert(e) – dann auch das Publikum beim ausverkauften, einzigen Deutschland-Konzert in der Frankfurter Jahrhunderthalle.

Das Ticket diente nicht nur zum Einlass, sondern auch als Notizzettel im Dunkel des Konzertsaals

Die gut 2.000 Tickets waren schnell verkauft, mehr hätten gut und gerne verkauft werden können. Die Fans waren übrigens keineswegs alle 50 + – auch Zwanzigjährige sah man in gespannter Erwartung zu ihren Plätzen pilgern. Nicht weniger konträr gestaltete sich dann der künstlerische Vortrag auf der Bühne in den nächsten gut 1 ½ Stunden. Da gab es einen Rest von Post-Punk-Appeal, wenn die inzwischen 62-jährige Sängerin ihre Band immer wieder antrieb, das Tempo zu forcieren, dabei in ihren stilvollen Clochard-Klamotten wie einst im legendären CBGB..s links und rechts – Verzeihung – neben sich rotzte. Andere Momente hatten den Charakter einer Lesung zu Musik mit einer sehr in sich gekehrt wirkenden Künstlerin. Dann wieder ließen Passagen Assoziation zu „sacred music“ zu – ein Hauch von Pow Wow kam mitunter auf. Patti Smith als moderne Schamanin?

Die grandiose Version des Jimi Hendrix-Klassikers „Are You Experienced?“ passte in dieses eine der vielen Bilder des Abends: Sie begann als Meditation und entwickelte sich zu einer Trance-haften Improvisation wobei Smith’s Klarinette eher wie eine Zurna aus dem marokkanischen Rif klang. The Drums And Pipes of Jajouka hatten schon den verstorbenen Rolling Stone Brian Jones fasziniert.

Ihren Song „Blakean“ leitete sie mit einer Moderation über Goethe ein, erzählte von Goethes Geburtshaus in Frankfurt, wusste, dass es im Krieg restlos zerstört, aber wieder aufgebaut wurde, auch um Goethes Geist zu erhalten. Ob sie das Goethehaus vorm Soundcheck besucht hatte, wusste keiner der Veranstalter, ist aber denkbar. Denn Patti Smith sucht immer kulturelle Städte auf, wollte bei ihrem letzten Berlin-Besuch das Grab von Brecht sehen, packte davor ihre Klarinette auf, um spontan zu spielen, was Friedhofspesonal auf den Plan rief, die sie aber gewähren ließen als sie

entdeckten, wer da spielte.
Vorm Schlagzeug entdeckte man eine libanesische Fahne, einen Song widmete Patti Smith den palästinensischen Kindern, eine auf die Bühne gereichte tibetische Flagge wurde gerne kurzzeitig als Umhang benutzt – die Friedensbotschaften einer Frau, die in „Rock ‘n’ Roll Nigger“ provozierend „Jimi Hendrix was a nigger. Jesus Christ and Grandma, too.“ sang, deren Losung nach ihrem Comeback dann – vielleicht ein wenig naiv in vieler Ohren – „People Have The Power“ lautete und die ihrem Publikum an diesem Abend auch predigte, das nie aus dem Blick zu verlieren. Ok, radikal klingt anders, aber ihre Revolution light ist dann immer noch glaubwürdiger als das ganze Gutmenschen-Gehabe der Kollegen Sting und Bono, die vielleicht das globale Weltgeschehen politisch besser durchblicken als Patti Smith, dabei aber immer auch selbstgefällig und mediengeil wirken.

Hände schüttelnd, glücklich lächelnd und winkend verließ Patti Smith schließlich die Bühne, gab ihrem seligen Publikum das Gefühl, dass sie ihren Traum lebt. Mit allen Widersprüchen, die längst aber auch ihre Authentizität ausmachen.

Fotos: Detlef Kinsler

Viele Frankfurter machen es sich gar zu einfach. Für sie ist Shantel Synonym für die Musik vom Balkan. Bestenfalls assoziieren diese Fans damit noch vielköpfige Bläserensembles, die hier immer mal wieder in den Club oder bei Weltmusik im Palmengarten vorbei schauen. Aber es geht auch weit subtiler und vor allem individueller wie zwei Konzerte jüngst bewiesen. Zum Beispiel der Auftritt von A Hawk & A Hacksaw im Bett. Das Duo – auf der Bühne ein Quartett – kommt aus New Mexico, zugegeben weit weg von Osteuropa. Aber Jeremy Barnes und Heather Trost haben nicht nur den Balkan bereist, zum Beispiel eng mit ungarischen Musiker zusammen gearbeitet und dabei die Musik in ihrer ganzen Bandbreite zwischen Melancholie und Euphorie verinnerlicht. Natürlich nicht, um einen authentischen Balkan-Sound auf die Bühne zu bringen, sondern einen ganz eigenen, virtuosen Stil zu erfinden, in dem – kaum verwunderlich – Klezmer, Polka und Walzer auch Mariachi- und Appalachen-Folk-Injektionen erfahren und damit ganz sicher den orientalischsten Folk Amerikas sind.

Um Perfektionsdrang ist das Ganze nicht bemüht, eher um viel Spielfreude und einen Rest von Punk-Appeal. Barnes spielt nicht nur Akkordeon und singt, sondern bedient gleichzeitig noch das Schlagzeug, auch ein wenig holprig, aber durchaus charmant. Trost spielt Geige, auch eine mit Schalltrichter mit einem sehr speziellen Klang. Mit den anderen Instrumentalisten, Chris Hladowski an der Bouzouki (er blieb vergleichsweise zurückhaltend), aber vor allem mit Samuel Johnson (Trompete, Flügelhorn) und Barnes, lieferte sie sich wilde Dialoge mit Schwindel erregenden Soli, die das Publikum mitrissen. Zum Finale des Konzerte spielten die Vier mitten im Publikum und – sehr passend – auf dem Dancefloor.

Glück gehabt! Die Wiesen am Main waren feucht, im Schlosspark standen Pfützen auf den Wegen, am Nachmittag hatte es noch heftig geregnet und auch nach dem Konzert plätscherte es wieder vom Himmel. Aber während des Starts des Shooter-Konzert-Sommers 2009 mit dem 2 ½-stündigen Konzert von Haindling blieb es trocken. Nass wird ohnehin niemand in einer der schönsten Konzertarenen der Region, denn das Amphitheater Hanau, diese imposante Zeltkonstruktion, überdacht Zuschauer und Bühne und nur bei heftigem Wind könnte der Regen seitlich unters Dach gepeitscht werden. Aber trocken ist..s natürlich viel, viel schöner im Rund.

1982 schon erschien das erste Album von Haindling mit bis dato in Deutschland nicht gehörter, weiß-blauer Folklore, fast im Alleingang eingespielt. Die niederbayrische Antwort auf das Penguin Café Orchestra, ein Mix aus Walzer, Jodler, Jazz und Avantgarde, kauzig, charming, hinterfurzig, liebenswert und individuell zugleich. Aber Hans-Jürgen Buchner, eigentlich „a Preiß”, den..s nur ins niederbayrische Haindling verschlagen hatte, schaffte es mit seinem Gespür auch für simpel-schöne Melodien prompt ins Radio und die Charts: mit Songs wie „Du Depp“, „Spinn i“ und vor allem „Lang scho nimmer g’sehn“. Wie passend – denn obwohl ich vor allem den Anfang von Haindlings Karriere verfolgte, hatte ich zuletzt eine lange Konzertpause eingelegt, die Band sicher 10, 12 Jahre nicht gesehen. Aber alte Liebe rostet nicht.

Schon der Einstieg ins Hanauer Konzert unterstrich die Genialität von Haindlings Musik. Noch bevor der Chef selber in den Ring stieg, zelebrierten seine fünf Multiinstrumentalisten (manchmal kam ein Roadie als sechster für zusätzliche Percussion dazu), darunter mit Michael Braun (Saxophon, Trompete, Tenorhorn, Keyboards, Percussion, Gesang) und Peter Enderlein (Schlagzeug, Perkussion) zwei Mitstreiter der ersten Stunde, ein Intro, das mit viel Atmosphäre wie eine Meditation (auch Prozession) auf eine Reise durchs Alpenländische und rund um die Welt gleichzeitig einstimmte. Selten wurde heimische „Volksmusik“ (gemeint ist die gute, authentische jenseits des „Musikantenstadls“) so tranzendierend dargeboten. Egal, welche Blasinstrumente da aus der in Silber, Gold und Bronze glänzenden Sammlung bis hin zur Basstuba gleich zu Gehör kamen, da klangen imaginär Alphorn, Didjeridoo und Rag Dun- wie Dungchen-Hörner an – die Alpen, die Outbacks und das Dach der Welt schienen zu verschmelzen, um gleich darauf doch mit beiden Beinen in der Heimat anzukommen – mit Walzern, Ländlern, Zwiefachen.

Bei Haindling und seiner bayrischen Weltmusik ist Platz für Vieles, auch Widersprüchliches, das sich aber in der Person von Hans-Jürgen Buchner irgendwie in Luft auflöst. So wie in der Musik neben Hochkomplexen, ja fast klassisch oder gar barock anmutenden Motiven, Kinderliedhaftes steht, ist er in seinen Texten mal Philosoph, dann wieder beinah naiv und vor allem gerne auch trivial (wenn er zum Beispiel Sushi auf Uschi reimt). Das macht den Reiz der alten, in einem tollen Medley dargebotenen Lieder aus, das ist auch auf dem brandneuen Album „Ein Schaf denkt nach“ nicht anders. Oft hält uns dabei der Sänger, der auch Saxophon, Tenorhorn, Tuba, Klavier, Maultrommel, Klanghölzer und vieles mehr spielt, uns (und auch sich selbst) den Spiegel vor, macht sich über Verhaltensmuster lustig (unser ständiges „O-käy“-Sagen an allen möglichen und unmöglichen Stellen in der täglichen Konversation – prompt bestellt ich, kaum war das Lied verklungen, eine Bratwurst am Stand, wie reagiert der Verkäufer? Mit einem Okay…), verpackt kleine Alltagsszenen in Poesie („Die Fliege“), beklagt – wenn auch mit einem lachenden neben dem weinenden Auge – den Umgang der Menschheit mit der Natur und mokiert sich über die zunehmende Entfremdung in der Gesellschaft.

Seine einfache Losung lautet dabei „Seid..s freundlich“, in seinen Konzerten bietet er nicht zuletzt auch eine Lachtherapie an, propagiert: „Singen ist sehr gut, am besten gleich morgens unter der Dusche”. So ist der Auftritt wie der Versuch einer gemeinsamen Sinnsuche für 150 Minuten, dargeboten als unterhaltsames Musikprogramm, in dem sogar Swing, Rock’n’Roll, Funk und Reggae ihren Platz haben. Warum musste ich ständig an diesem Abend an das alte Zitat „Kinder und Narren sagen die Wahrheit“ denken?

Fotos: Detlef Kinsler

Ob sie sich ihrer Abschiedshymne fast Musical-kompatibel vom Band spielen ließen oder Uriah Heeps Killernummer „Lady In Black“ eher dem – bei dem Titel muss ich das schreiben – dem Black Metal (na ja, nicht wirklich) zuführten, es war Party angesagt. 

Und nachdem klar ist, dass das Trio ohne Nico als Peoples Temper mit zwei Gitarren zu Schlagzeug nicht minder energetisch weiter macht und auch Señor Flores nicht darüber nachdenkt, seine Gitarre einzumotten, musste kein Tränchen verdrückt werde.

Als Support waren übrigens No Clue auf der Bühne, der Gitarrist 9, der Drummer 11, der Bassist auch kaum älter. Erstaunlich, wie gute die Knirpse schon an ihren Instrumenten waren, aber kein Wunder, werden sie doch von ihren Papas gecoacht und vor der Bühne angefeuert. Und auch die Rock..n..Roll-Posen nebst aller Klischees beherrschen auch schon bestens. Klar – wenn man ACDC..s „TNT“ interpretiert, darf einen kleine Bodenkür nicht fehlen…

Fotos: Detlef Kinsler