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Recensioni "Balera Metropolitana"

Interviste

BLOW UP MAGAZINE (giu 2009)
Dionisio Capuano

Abbiamo seguito I Comfort fin dai loro esordi. La band di Alessandro Baris e Leonardo Chirulli ci è sempre piaciuta per la capacità di sfuggire ai lacci del post-rock, al quale ci riferiamo più per dare un indicazione di massima sulle apparenze sonore che per ascriverceli formalmente. Al genere, in effetti, sfugge già per via di altre contaminazioni (un che di jazz, qualche nuvola canterburiana) e per un che di ineffabilmente peculiare. Curioso, invero, che proprio con questo nuovo eccellente lavoro, raggiungendo la sua maturità, si avvicini molto ai modelli del genere, senza però bruciarsi l’identità artistica. Se l’avventurosa cavalcata di apertura, Shape, fa venire in mente i 90day Men, poi il punto di riferimento diventano i Tortoise. Ma è un archetipo sonoro che i Comfort metabolizzano e superano.
Strutturato fondamentalmente come duo di polistrumentisti (con la chitarra appannaggio di Baris e le tastiere di Chirulli), ma arricchito da partecipazioni di altri collaboratori qui e là, l’ensemble tesse trame sonore caratterizzate da dinamica, trasparenza sonora e soprattutto da una brillantezza melodica fuori dal comune e che non sono rock (cadono quindi anche prefissi e suffissi).
Where the walk is slow è una variazione sul glitch strutturato in cui appare e diventa quasi sinfonico un giro di piano. Florian un finto quasi dub che brilla di un sedicente vibrafono, intorno al quale fiorisce una voce di synth. Iceberg un improbabile memoria degli Yes di “Fragile”, recuperata dal piano e dalla chitarra di Donato Epiro.
L’album è in perfetto equilibrio tra acustico ed elettronico, cosa che rende il suono, già di per sé sempre giocato su incastri di strutture che si compenetrano le une nelle altre (Contemporary Nocturne), ulteriormente profondo e disallineato, come attesta la sferzante e fluida chiusura di He Moves His Head Back. Un punto di non ritorno per le onde italiane e non solo. (8)


RUMORE MAGAZINE (giu 09)
Vittore Baroni

Hanno idée molto precise I Comfort guidati da Alessandro Baris, Leonardo Chirulli e Fabio Elia, attivi dal 2000 ed esorditi nel 2006 con “Eclipse”. Il nuovo cd “Sleep Talking Shared” si esprime in un linguaggio maturo, ponendo la perizia tecnica del miglior neo prog e “new classical” al servizio di forme rock contemporanee, ora nervose e trascinanti (Shape) ora brumose e cinematiche (The Missed Enviroment) o delicate e avvolgenti (Florian, Iceberg). Decisamente da tener d’occhio.


"ALIAS" -IL MANIFESTO(lug 2009)
Roberto Peciola
Un disco maturo e personale. Sleep Talking Shared è un album totalmente strumentale che si pone a metà strada tra il post-rock dei Tortoise e le derive elettroniche e jazzate della Cinematic Orchestra. I due Comfort, Leonardo Chirulli(piano e tastiere) e Alessandro Baris (batteria, chitarre e elettronica varia) per l'occasione si sono fatti aiutare da una schiera di amici, da Donato Epiro e Paolo Ibba (già nella formazione) a Marcello Petruzzi(Caboto e Franklin Delano) fino a Marina Mulopolos (Almamegretta) che ha prestato la sua «voce» nel brano Organic Deca-dance, e molti altri sparsi qua e là. Un lavoro interessante e di respiro internazionale.


TINYMIXTAPES.COM (aug 2009)
by Joe Hemmerling

Comfort is yet another fine discovery from Belgian experimental label Off. The band’s core is an Italian trio — Alessandro Baris, Fabio Elia, and Leonardo Chirulli — who use both live and electronic instrumentation to create lush compositions that marry ambient soundscapes with more traditional post-rock instrumental dynamism. Though Sleep Talking Shared is notable for its tranquility, there is a staggering diversity in mood and texture from song-to-song. Equally impressive is the concision of its tracks, all of which fall between three and five minutes. Quiet and gentle as the album, the succinct quality of the individual songs gives the whole thing a sense of immediacy that similar albums lack.
Like the best of the Off stable — Strings of Consciousness and Colorlist, for example — Comfort excels at creating wordless compositions that evoke real human drama. It’s music that tells a story, or perhaps more accurately, it’s music that prompts the listener to construct a story. My favorite piece is the quietly ominous “The Missed Environment.” The first minute-and-a-half consists of little more than an ambient pulse and some muted percussion, which are suddenly interrupted by a hissing tape loop of violin playing. The effect is truly ghostly, like a scratched record playing endlessly on a gramophone in the basement of a condemned house. Contrast this with “Where the Walk Is Slow,” a soothing, keyboard-driven lullaby. The twittering electronics and soft, throbbing beats could be the sound of insects chirping or a flowing stream.
If there’s one flaw in the album, it’s that the whole thing is a little front-loaded. The last four tracks are all good enough on their own, but none manage to summon the same kind of wonder or atmospheric density as early installments like “Shape” or “Iceberg.” Still, Comfort manages an incredible feat with Sleep Talking Shared. They craft quiet, subtle compositions without ever wandering into elevator music territory. Easy listening has never been so rich or rewarding.


ALL MUSIC.COM (may 09)
by François Couture

"Sleep Talking Shared", Comfort's second record, sees the Italian band reduced to a core of two multi-instrumentalists: drummer/guitarist/programm

donato epiro - 'Men have always eaten their Gods' c20
Beyond Repair Records

Italian atmospheorist Donato Epiro returns with another discrete segment of the eternal sound. Having softened the corners since his last appearance here with ‘After Dinner Black Out’, the two sides of the C20 'Men Have Always Eaten Their Gods' reveal a heavier presence of constant, multiple sounds blurred along their contours and offset into three registers of mid-hi-lo. The mechanistic, anatural sounds of Daniel Menche (my favorite civil engineer) are explored with less regular vehemence and more stable drone in fuzzy procession: cumulus whirls of oscillation do their best to alight the deeper resonance of the first track, a tonal abstraction in three or four large squares of primary color; on the second, this resonance rules with a black-soil worry, recoiling from the gapped yet erratic strikes of a steel baton. Spinning with an unforeseen intensity, the final quarter snaps free into an inversion of frozen sound and surrealist-absurdism, with porpoisey squiggles peeling from the ribbed strike of harped piano strings. On red tapes with full color J-card. Another fine accomplishment from Epiro.

"Sulle Tracce di Ned – documento di musica estemporanea (diretto da Mauro Orselli)" cd
 
Electronics and acoustics, classical and avant garde.

I didn't know what to expect when I played Sulle Tracce Di Ned (Studio V38), but it is one of the more interesting and beautiful things I've heard in awhile. Mauro Orselli is a musician/composer who has explored the outer side of music and life in his work, and he does so on this album. His playing is remarkable, easily being able to play something classical in nature to making sounds as if he's inside of the piano. Throughout the album, he decorates with sound and brings in various other instruments and voice to make things appear more vivid. There can be some angelic singing in the songs, courtesy of Marina Mulopulos and Beatrice Carratori, while in another part of the album they might be grunting at each other.

The album is avant-garde classical that's not for the faint of heart. Everything is open to interpretation, or no interpretation at all, just a willingness to create and make music, and to keep sound moving at a lively pace. Very moving and motivating, makes me wish I could find people like him locally so I could contribute and participate.

John Book
the run-off groove




 

sands-zine

Di sicuro esageratissimo, dal momento che ho ascoltato più di un centinaio di dischi molto più interessanti e belli del mio usciti nel 2007...

World Of Springs
The End Springs / Donato Epiro : Dust Wind Tales -tapesingle- (US/I,2008)

I almost forgot I had a tape player (and a good one too, driven by 3 motors and with 3 heads !), so it was time to find out about it with this tape only release. Each side is a little over 10 minutes. First side by The End Springs is a guitar piece, ("dust options & sky rocks") with acoustic rhythm guitar, building up notes with just a few pickings, while a few flute echo effects are added. One of the strings works like a droning string while a moody rhythmical melody is improvised upon, from chords to a few pickings. This is quickly over. The track by Donato Epiro '"Funerary song for a slug") starts with a harmonium drone, of which a few tones come out, before a guitar piece appears, with weird anti-chords, and of what sound like some additional glass bottle sounds. The composition is multitracked or multi-layered with weird/odd prepared pickings, like a minimalist oddity, of which after a while the mind gets used to and relaxes to, with enjoyment before the harmonium concludes the piece. Limited to 60 numbered copies.

www.psychedelicfolk.com

From Dust Wind Tales, we get a brief yet charming acoustic instrumental split, limited to sixties copies with each one thoughtfully hand-painted. As I understand it, this was originally poised to kick off a whole series of cassette singles, but the project has been left in limbo ever since it came out. Either way, it's an endearing little treat from the impressive Dust Wind Tales camp. Expert guitar plucking courtesy of The End Springs populates side A, recalling the work of John Fahey and Steffen Basho-Junghans. Ethereal streams of bali bamboo flute have been added to lend the composition a mystical quality, while the guitar part itself is soothing in its repetition. Side B is home to Donato Epiro's track, which lovingly treads the line between folk song and freeform improvisation. It is a more chaotic composition than its tapemate, coming off with an increased sense of urgency as well as an eerier appeal. This tape may be short, but it certainly leaves an impression. This is great stuff from the instrumental folk
underground. (8,4)

www.indieville.com

"After dinner black out" Top Album review on sands zine.

"Prima di addentrarmi nei meandri boschivi, astratti e tormentosi di questa produzione, la prima per quanto ne so di Donato Epiro, vorrei puntualizzare che questo, almeno per quanto mi riguarda, è un capolavoro storico e che dischi come questi, in Italia, non li fa nessuno e che Donato Epiro è un genio, un vero e proprio genio che in soli 18 minuti è in grado di ribadire quella leggenda con cui un morto in pochi secondi rivede tutta la sua vita in un colpo d'occhio. Questo disco rivede tutta la musica più evoluta di questi anni, e lo fa con un distacco talmente elegante da diventare una partecipazione sentita e post-moderna (nella sua accezione più sana). Vorrei aggiungere che spero vivamente che questo lavoro finisca in pochi giorni e che venga ristampato altre dieci volte.

Detto questo, cosa non da poco, per me che non mi lascio muovere da facili complimenti, "After Dinner Black Out", è il frutto di un lavoro durato diversi mesi, centellinato e curato in ogni suo minimissimo dettaglio acustico, e che per la materia sonora che presenta, per la sua densità e per la quantità di 'segni' che ci sono dentro, con questi materiali, Donato avrebbe potuto ricavare anche un disco di 60 minuti: bastava ripetere i singoli gesti da gestalt profonda, ri-codificarli su diverse serie, e ripresentarli per un numero più svariato di volte (celesti). Del perché questo non sia accaduto, ovvero del perché i singoli suoni del lavoro non siano stati affidati alla 'ripetizione' è chiaro già dalle prime note: il lavoro, nella sua totalità, si presenta come un'opera dodecafonica, direi beriana, piuttosto che come un disco di elettroacustica semplice. Nell'insieme dei suoi elementi di drasticità questo lavoro spezza la continuità elettroacustica per inoltrarsi dentro una confusione perfettamente precisa e logica di un'opera del ventesimo secolo, e con operazioni semplici, parassitarie e pop, certamente non ci convive e non intende conviverci. Da qui il senso di organizzazione rapsodica e verticale, basata su molteplici angolazioni e punti di vista, l'intento espressivo e pollackiano dell'intera durata, la sua forza da REM e la sua alchimia violenta e parossistica. Secondo punto a favore del disco è la sua 'pasta sonora' mutevole e arzigogolata: impulsi che si spostano su capogiri, su cadute vorticose e vulcaniche in sottofondo, continuamente mutevoli, oblique e spinte sinfoniche sulla superficie che si spostano come stessimo in balia di una corrente metafisica, su una nave che va direttamente in naufragio e da qui il senso di sbandamento e di umanità che si respira dietro un lavoro così complicato ma anche così profondamente lirico ed emotivo. La terza forza del lavoro è la sua incurante seduzione con cui è composta: non solo i suoi movimenti ubriachi che si spostano tra un Terrestial Tones, un Throbbing Gristle che incontrano l'acusmatica in Luc Ferrari, ma pure un uso dell'aleatoria d'accompagnamento che si ripresenta in certe ascendenze alla Leslie Dabata e in un uso della percussione non dissimile da quello di Gordon Mumma, che fanno di questo lavoro quasi un'opera scritta, ri-eseguibile per largo ensamble e che ne danno un gusto contemporaneamente più autorevole perché non basato soltanto sul semplice uso della forma ma anche di una forza che proviene direttamente dalla scrittura e dalla varietà di lunghezza altezza e dinamiche, che soltanto alcune opere profondamente aderenti al calcolo possono permettersi.

Non voglio, stavolta, attenermi alla traduzione emotiva di quest'opera, decifrarne per immagini la sua forza elementare e contemporaneamente complessa, perché il livello della sua bellezza, lo straordinario carico pornografico, la sua vicinanza ad un Lionel Machetti se non avesse scelto d'imbrigliarsi dentro un certo uso minimale, ne fanno davvero un capolavoro che in particolare gli elettroacustici italiani dovrebbero prendere in considerazione per decidere se sia il caso di smettere per qualche anno gli strumenti e poi magari riprenderli quando si hanno delle idee chiare. Questo lavoro, io credo, che se sarà giustamente recensito e preso in considerazione, potrebbe, per una futura discografia delle trasformazioni della morfologia, divenire il punto più alto di come si fa ricerca, arte ed intelligenza nella musica, e rappresentare una bibbia a venire per i posteri: certa cosa è che Donato Epiro, con un solo disco all'attivo, sia subito sopra, molto più in alto della già ottima media di quello che abbiamo assistito finora e che già da questo momento possa competere con etichette quali Grob, Mego, Tzadik e via discorrendo. Comprate questo disco, vi farete un bel regalo".

Salvatore Borrelli

Recensione su SentireAscoltare giugno 2007

Donato Epiro – After Dinne Black Out (Akoustic Desease ,aprile 2007 )
Genere : elettroacustica

I primi due titoli - se si eccettua la compilation inaugurale - nel catalogo Akoustic Desease lascerebbero quasi pensare ad una scena nella scena: entrambi provenienti delle parti di Taranto, Donato Epiro e Fabio Orsi condividono intelligenza musicale e percorsi di vita, sebbene all'ascolto si scorgano, evidenti, le differenze d'approccio.

Donato Epiro, classe 1981, è, per sua stessa ammissione passato attraverso le canzoni dello Zecchino d'Oro, la musica sacra e gli studi classici, i Black Sabbath ed il post rock. Ha collaborato con Maisie e Larsen Lombriki e con After Dinner Black Out giunge ad una matura forma di musica concreta ed elettroacustica. I diciotto minuti del suo 3 pollici (altra splendida confezione) vivono di un cut-up acusmatico - ma in cui sembrano convivere campioni processati e musica suo nata - assemblato con precisione chirurgica e cura nei particolari. Se si fatica a trovare una costante narrativa, la si cerchi in quel continuo stato di tensione che protende continuamente il brano in una dimensione in-finita. La tecnica è largamente debitrice dei grandi padri della musique concrete e dell'elettroacustica - il primo nome a venire in mente è quello di Luc Ferrari -, la sensibilità quella, straordinaria, di un famelico e lungimirante ascoltatore nel pieno dell'era di internet
(7.3/10)

V i n c e n z o S a n t a r c a n g e l o


Recensione su Blow Up giugno 2007

Donato Epiro - After Dinner Black Out -

Dopo aver prodotto "Trees In The Attics", bella raccolta nonchè omaggio all'arte ed alla filosofia di Hundertwasser, tra i nomi coinvolti: Seth, Fabio Orsi, Donato Epiro, Crystal Moth, Valerio Cosi, ma molti altri ancora, tutti meritevoli, la piccola Akoustic Desease, Più attenta al mood che allo stile, sia esso acustico o elettronico, consapevole che "droning" è sopra ogni cosa uno stato della mente, mette fuori ora due gioiellini in tre pollici di notevole fascino. [...]
Di Donato Epiro credo che questo sia il suo esordio, ed è una bella prova, assai cinematica, gioco noir di frammenti elettroacustici, o come ci viene raccontato, stupefacente ritratto audio di una storia violenta. (7/8)

Gino Dal Soler

Recensione su foxydigitalis

Donato Epiro - "After Dinner Black Out" 3"cdr (Akoustic Desease)

Donato Epiro is an Italian sound-artist who – along with Mark Hamn and Clan – creates intricate collages with a strong narrative content. At first, I thought the music was "merely" a very personal take on the already-rich world of electro-acoustics. Yet the more I listened to this 3", the more I started to find subtle connections between each sonic occurrence and the presence of a hidden dramatic subtext – which turned the whole thing into a somewhat unique experience. Because there truly is a STORY to be found at the heart of this abstract piece, no doubt – one that is more felt than heard, you've guessed it.

It all begins on a rather nervous note as a series of chopped-up/ stretched-out samples of rattling sounds springs out from everywhere. The first impression left upon the listener is one of tension and menace. A woman is running. She suddenly SCREAMS – of fear, it seems. As echoes & delays discreetly start to fill out the space, a "free" drumming section is heard entering a subdued call-and-response pattern on each separate speaker. Very intriguing…

As the piece goes on, a tapestry of skeletal drones and high-pitched loops slowly unravels before our ears. It gives a stronger sense of fluidity to the flow of concrete sounds – uniting the whole thing through its desorientating sets of gaps & silences.

Then, a haunting melody is played on the piano. It is all the more restrained as it is gradually submitted to various electronic treatments. Then, a lonely bass line begins to sketch out a somewhat darker melodic climate that is equally fascinating.

From being rather tense and menacing, one realizes that the atmosphere has become more emotionally-ambiguous. Some fragmented sound-gestures still appear here and there (the drumming sections, the isolated plucking of strings, the unstable high-pitched drones), but they are used more sparingly. As the melody played on the bass morphs into a beautiful suspended/ sampled violin lament, the piece ends on a particularly unsettling/ mysterious note.

After listening to this 3" and to his contribution on the "Trees In The Attic" compilation, there's no doubt in mind that Donato Epiro excels in the art of "secret sound narratives". Again, the more I listened to this music, the more I found a deeper coherence in it. Suddenly, every sound, every gesture began to make sense. A very rewarding experience, indeed. 7/10 -- Francois Hubert (17 July, 2007)

Recensione su Animal Psi

Donato Epiro "After Dinner Black Out"

Here is a pair of 3" CDrs from Akoustic Desease, a young Italian label with a fantastic approach to the English language. Both artists also appear alongside Seht, Valerio Cosi, (VxPxC), Alligator Crystal Moth and more on the label's wonderful 'Trees in the Attics' compilation, a summery tribute to Austrian artist Friedensreich Hundertwasser. But look here now:

In contrast to Orsi's minimalism, 'After Dinner Black Out', the debut of Italian musician Donato Epiro, is a nearly 20 minute experiment in sound collage. A single track, the composition is made of several pieces of music and found sound, each cut to a reasonable length of no shorter than 30 seconds and up to five minutes. Like Ferrari's compositional musique concrète, the sounds are intimately related, though not necessarily by timbre, tone, or anything else apparent to the unacquainted listener. All sounds are pleasant and clear as they are made to stand alone, satisfying merely by their presence. Water drips and a woman gasps with excitement. A cello squeaks with curiosity. Drum sticks prattle over a kit in free form. An overpowering by excerpted musical passages takes hold, and before mid-track a song seems wont to break out, the elements aligned in a coup against the lack of structure. However, this dissipates as quickly as it formed, the author denying our basest desires to hear a familiar rhythm. The sweeps of viola which end the piece signal a mature, studied chaos, a meticulous sequencing and pacing which fulfills music by defying it. CDr comes tabbed in a handmade folder of heavy paper with color art, hand-numbered to 106.

From the cookshop blog:

This sits fairly well within that region which used to be called "musique concrète", as it mixes acoustic and electronic instruments with found sound. Its abstract nature requires focus, further plays revealing carefully considered and structured movements with much use of the stereo spectrum, tone and dynamic within the percussion, synths, occasional voices and lots more. To paraphrase from a recent review, you could think of someone who's about to pass out and sees life scenes flash before his eyes... No room for irrelevance, redundancy, and no room for needless repetition: each moment counts and adds as new spectrums arrive. No fear of making changes or destroying the image, and still, somehow, there's a harmony, an easy collage-like give and take.

Recensione su foxydigitalis

Various Artists "Trees In The Attics"
Akoustic Disease


This compilation – the very first release from this new Italian label – features a wide range of artists/ musicians working in the fields of experimental drone/ folk music and new electro-acoustics. It was conceived as a tribute to the visionary art of Austrian artist Friedensreich Hundertwasser who was famous – amongst other things – for trying to re-connect mankind with nature through his works as an architect and philosopher (the inside card actually reproduces a drawing by Hundertwasser that represents the "five skins" from which we are supposedly made of – epidermis, clothes, houses, identity, earth).

It's thus no surprise to find here a great variety of sonic colours as colour was very important in Hundertwasser's ecological philosophy. As with the best of the various artist compilations that have seen the light of day for the past few years (like the recent ones on Digitalis, PseudoArcana, Last Visible Dog, 267 Lattajjaa, etc.), there is an undeniable, yet scattered sense of homogeneity that can be felt throughout and which gives the compilation its unique personality: the tracks thus segue into one another with a great fluidity while their different approaches and textures remain intact to the attentive listener.

In order to remain true to Hundertwasser's thinking, the music featured here offers various interpretations of what is commonly referred to as FOLK music – be it real and/or imaginary. If architecture is indeed "frozen music", then the artists have all succeeded in making us hear once again what may well constitute the environmental fabric of our lives – as this selection of "experimental" pieces bears some strong emotional/ melodic resonances.

Consequently, everyone should find something in it that should suit their tastes and challenge their imagination! Rather than trying to distinguish them by "styles," I will refer to these pieces by the ways they're able to create a certain kind of MOOD through their distinct melodic approaches.

You will find a few experimental "folk" reveries which are either peaceful (K-Conjog) or quietly unsettling as in the cases of Stonebaby (with its subtle layers of electric guitar delays and violin scrapings/ drones), Alligator Crystal Moth or (etre) with its MVEE-inspired, laptop-treated contribution.

In some other cases, the music has a more "ambient" feel that may be as gentle (Fabio Orsi) as it can be sparser (and darker) in shape (Seth, throuRoof) or displaying a rather idiosyncratic, almost "cinematic" take on the world of electro-acoustics (I'm thinking here of the highly expressive sonic narratives created by Italian sound-artists such as Donato Epiro, Mark Hamn and Clan).

You will also find a few tiny "epic" drone works displaying a highly-pronounced Eastern influence (Valerio Cosi) or a special fondness for "ecstatic" noise as a melodic source of inspiration (Die Stadt Der Romantische Punk).

Still, there may be a more "relaxed" approach to the music in general – as the "campfire" song performed by fellow Frenchman Bruno Duplant a.k.a. A Man & A Guitar actually testifies. One may also feel like gently dancing around with sound while listening to the Cold Solemn Rites In The Sun track which features some particularly shimmering guitar licks/ sax lines…

Yet, one can hardly think of a more resourceful ensemble than the band (VxPxC) who are sculpting some of the most unique (and affecting) sounds of today out of a great variety of musical colours (blues, folk, new wave, ambient, etc.).

But, there's also the Mighty Acts of Gods (Niwi's solo endeavour) who, after her previous releases on Musicyourmindwillloveyou and Rural Faune, offers new startling shape-shifting sonic forms, the disorientating power of which often comes from the juxtaposition of heart-wrenching melodies with an almost "dramatic" approach to sound as organic matter.

By including so many different musical/ emotional forms, the compilation also contributes in placing the listener/ person at the centre of its very own project, thus making complete a particularly vibrant homage to Hundertwasser's deeply ecological vision (the title actually refers to the multiple experiments he did in the 1970s which saw him placing/ growing TREES at the top of various buildings, thus trying to turn these trees into full inhabitants of the household as they would – ideally – recycle trash and produce some air in return).

Discovering Akoustic Desease's motto on its website, it is no surprise to see that it is more interested "by the mood" of a music than by the means through which it is produced. More "trees", more surprises, more utopian re-creations still lie ahead of us… Stay tuned and listen. 8/10 -- Francois Hubert (3 July, 2007)



Recensione su Sentireascoltare

AA.VV. – Trees In The Attics. An Homage To Hundertwasser
(Akoustic Desease , aprile 2007)
Genere : avant - folk , drone music , psichedelia

Che abbiano le sembianze di collage dada (quelli di (etre) e Donato Epiro) o di semplici folk ballad (il napoletano K-Conjog); che profumino di Oriente (lo scontro tra il sax di Valerio Cosi e la chitarra di Wilson Lee a nome Cold Solemn
Rytes In The Sun, il progetto Brad Rose/Micheal Donnelly Alligator Crystal Moth) o si sporchino di rumore (Die Stadt Der Romantische Punk, Jukka Reverberi in libera uscita dai Giardini di Mirò); che siano bozzetti di psichedelia sognante (il collettivo Stonebaby) o divagazioni improvvisate (il giovanissimo
terzetto bergamasco dei Clan), i brani della compilation inaugurale Akoustic Desease condividono tutti con il pensiero – o meglio sarebbe dire la poetica – di Friedensreich Hundertwasser afflato mistico e suggestioni teoriche, trovando dunque nella dedica al grande architetto, pittore e pensatore viennese il comune denominatore - di certo molto più che un semplice pretesto. Trees In The Attics è uno sguardo rivolto dall'Italia alle sorti di un movimento artistico difficile da
immortalare perché in un momento di massima crescita. Lo scotto da pagare è dunque per certi versi quello di dover fare i conti una scaletta (composta da ben 18 brani di artisti diversi) che può disorientare, soprattutto ad un primo ascolto.
Ma non sarà difficile prendere confidenza, incoraggiati dall'appeal melodico di Fabio Orsi (Sometimes The End Of Something), dagli ammiccamenti al glitch-pop di Mark Hamn (The Passenger Of A Little Summer), dalla neniea stralunata di
A Man & A Guitar (Monkey On The Moon), dagli ultimi contatti con il rock di (VxPxC), anche con proposte più ostiche ma dotate di grande fascino (Valerio Cosi, Seth, throuRoof). Trees In The Attics va dunque visto più come manifesto firmato, alla vecchia maniera, da artisti uniti da una sensibilità comune, che come prima vera e propria uscita; più come comune dichiarazione d'intenti che come documento d'archivio. Ciò precisato, non resta che rallegrarsi per la nascita di un'etichetta audace come la Akoustic Desease.
(7.3/10)

V i n c e n z o S a n t a r c a n g e l o

Recensione su sandzines

Akoustic Desease è una piccola etichetta che sta pian piano facendo ben parlare di sé nell'ambito della musica sperimentale, proponendo un materiale parecchio vicino alla più blasonata americana Digitalis Industries, tra i cui artisti in rooster compare proprio l'autore del primo dei sedici brani del CD, il neozelandese Seht. Si va così dalla sua ambient cupa e mischiata a fields recordings alle eteree note di chitarra spaziale e sax di Cold Solemn Rytes In The Sun (Valerio Cosi ed il chitarrista Wilson Lee di Hong Kong), per poi passare alle scomposizioni (questa volta meno estreme e più godibili del solito) di Salvatore Borrelli/(etre) ed al quasi pop (con tanto di ritmica in sottofondo) di K-Conjog (Fabrizio Somma di Napoli). Di nuovo in atmosfere alla Seth, ma molto più lo-fi, con il collettivo americano Stonebaby, autore qui di un'impro da dieci minuti, ruvida e stridente, cui seguono con forte scarto le note del bravissimo Mark Hamn (vd. il top di qualche tempo fa di "Je Dechire...", da cui questo splendido brano per chitarra e suoni acquei è tratto). Dopo di lui arrivano i non meglio identificati Clan e la loro musica percussivo-sghemba (non distante da "A Sucked Orange" di Nurse With Wound) e l'ormai conosciutissimo Fabio Orsi, che anche qui non delude, proponendo un rilassato ed etereo brano per chitarra, basso e droni lievi, per poi passare a Donato Epiro, la cui composizione ricca di suoni da fonti svariate (dalle voci agli oggetti alle percussioni) disorienta per poi catturare l'attenzione con forza.
A rafforzare il legame con Digitalis eccone proprio il responsabile, ossia Brad Rose, che a nome Alligator Crystal Moth (con Micheal Donnelly dei Brother of the Occult Sisterhood) ci riporta nella pischedelia più lisergica in un mantra dal sapore orientale accompagnato da una sorta di gong. Unico europeo non italiano, il francese A Man & A Guitar non tiene fede al proprio moniker ma canta strimpellando sì una chitarra, che però si perde in una serie di rumorini ludici e aritimici, dove un ritmo regolare trasforma però il tutto in un'altra gradevole bizzaria pop sul tipo di K-Conjog. Non troppo distante la traccia (ancora una volta a bassa fedeltà) degli americani (VxPxC), sorta di Pere Ubu in acido (non solo in virtù della voce lagnante), lontanissimi dal rumore quasi industrial di un Valerio Cosi qui molto meno facile rispetto ai lavori in collaborazione con altri: è solo un assaggio del noise davvero brutale (siamo in territori Merzbow o simili, ma arriva dal "Giardino di Mirò" Jukka Reverberi!) di Die Stadt Der Romantische Punk, il cui brano ha però il pregio di sapersi evolvere in stati meno rumorosi fino a raggiungere una calma quasi ambient. Da lì riparte la texana The Mighty Acts Of God con quella che potrebbe essere la valida colonna sonora di un film di Lynch (quindi eccoci in territori da Badalamenti), per chiudere con il miminalismo dissonante di throuRoof.

Finita questa forse non doverosa tirata descrittiva, un commento sull'album nella sua completezza resta ad ogni modo difficile... di certo se ne deve premiare la qualità media dei brani ed il coraggio nell'eterogeneità delle proposte, dove forse sfugge il riferimento all'uomo cui il disco è dedicato, l'austriaco Friedensreich Hundertwasser, bioarchitetto (nonché pittore, scultore ed ecologista). Il concept emerge certo nei titoli dei brani ed ha in qualche misterioso modo contribuito a creare un'atmosfera comune che salva il CD dal'essere un'accozzaglia di brani, per trasformarlo invece in una bella compilation di validi artisti.
Una confezione forse meno spartana e con qualche nota in più avrebbe giovato, ma come alcuni spesso dicono 'quel che conta è la musica'.
Matteo Uggeri