The video of Grisey's Anubis - Nout coming soon here

The last piece of the concert was Schatten, for trumpet, tape and live electronics by Dietmar Wiesner. Dietmar is Ensemble Modern's flutist, and also composer. You can check on him at the Ensemble Modern webpage.

Down here the video of the piece

Open workshop by Gabriel Valverde, Thursday April 23rd

Instrumentos solos 2009, First week

Wednesday April 15th

Workshop by Santiago Santero, composer

Thursday April 16th

Open workshop by Margarita Fernández: The flute's mythical lineage

Saturday April 18th

Concert by Patricia Da Dalt

Live broadcasting of "Instrumentos solos 2009"

Please check the event in myspace for the complete program

Hope you enjoy it!

Centro Cultural de España en Buenos Aires

http://www.cceba.org.ar/evento/evento.pl?evento=602

Instrumentos solos 2009 

Música contemporánea 

Conciertos, clases abiertas y seminarios breves 

                Reeditamos este año el ciclo Instrumentos solos, encuentro en el que se complementan actividades artísticas y educativas. Las clases abiertas “Atrévete a la música contemporánea” están especialmente concebidas para brindar al público claves para acercarse a los nuevos lenguajes. Por otro lado, los seminarios breves pretenden profundizar conocimientos específicos. Y por supuesto los conciertos, en los que se estrenan los encargos y se escuchan las obras trabajadas previamente. 

Conciertos 

Sábado 18 de abril, 19hs 

Paraná 1159 

La flauta inmemorial 

Patricia Da Dalt 

Obras de Giacinto Scelsi, Luis Mucillo, Yoshihisa Taïra, Brian Ferneyhough, Edgard Varèse, Mario Lavista, Santiago Santero (Estreno) e Isang Yun

http://www.lanacion.com.ar/entretenimientos/nota.asp?nota_id=994444

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Nueva entrada: 9 de marzo de 2008

Aquí se pueden escuchar fragmentos de la grabación del concierto.
Here you can hear fragments of Juliana’s concert.

Programa

Toru Takemitsu

               Voice (1971)

Gerardo Gandini

               Interludio para la descripción de la luna (1993)

Kaija Saariaho

               Laconisme de l’aile (1982) para fl y live electronics

Carmelo Saitta

Fantasía recurrente (2008) para fl y trío de cuerdas (Estreno mundial)

Marcelo Toledo

Aliento / Arrugas (1998)

Mauricio Sotelo

Del aura al suspirar (2001) para fl en sol y sonidos electrónicos  (Primera audición argentina)

Cceba. Instrumentos solos.

Crónica de la primera semana

Con una afluencia de público que superó las expectativas de los organizadores transcurrió la primera semana. Gracias a la invalorable predisposición de toda la gente involucrada pudimos sortear exitosamente las dificultades que fueron surgiendo. Es para mí un placer poder compartir acá la crónica de las actividades:

First week chronicle.

The flow of public was really unexpected. We could cope with everything thanks to the unworthy attitude of everyone involved. It is my privilege to share here this activities’ chronicle.

Seminario breve a cargo de Juliana Moreno, Miércoles 5 de marzo.

El seminario comenzó con Juliana Moreno interpretando un fragmento bastante extenso de "Del aura al suspirar" de Mauricio Sotelo, para flauta en sol y sonidos electrónicos. Si bien en esta oportunidad no contábamos con un equipo de sonido profesional para la difusión de la pieza, el que utilizamos alcanzó para poder apreciar el sutil trabajo con las alturas y timbres que evidencia esta delicada obra.

Esta introducción sirvió como punto de partida para que la flautista empezara a mostrar y analizar las diferentes técnicas extendidas que aparecen en la pieza, ejemplificándolas además con la flauta en do y la flauta bajo. Lo que previsiblemente derivó en variaciones de estas mismas técnicas, que fueron luego ordenadas de acuerdo a la muy útil clasificación de objetos sonoros sistematizada por el gran Pierre Schaeffer.

La atención de los asistentes, muchos tomando notas para no perder ningún detalle, se mantuvo a lo largo de todo el encuentro. Parecía mentira que de "un tubo con agujeros" se pudiera sacar semejante repertorio de sonidos, comentó un asistente desprevenido.

Como cierre se escuchó la pieza entera, seguida con atención a través de la partitura por todos los participantes. Juliana Moreno ofreció una versión en la que la obra se apreció transparentemente, con una impecable interacción con la parte de cinta. Hizo gala de toda su experiencia con este tipo de música.

+info sobre Mauricio Sotelo: www.mauriciosotelo.org

Workshop by Juliana Moreno. Wednesday, March 5th.

At the beginning Juliana Moreno played a large fragment of "Del aura al suspirar" by the Spanish composer Mauricio Sotelo, foralto flute and electronics. Although there wasn’t any professional sound equipment, the one we counted with was enough to appreciate the subtle relationship between tones and timbres that this work reveals.

This intro worked as a starting point to show and analyze different techniques used in the piece, also giving examples on the soprano and bass flute. What naturally led to variations on these techniques, ordered then according to Pierre Schaeffer’s sound objects’ classification.

One could see the entourage taking notes, in order to miss no details. It seemed unlikely that "a tube with holes" could offer such a variety of sound possibilities, as an attendant pointed out.

Finally the meeting ended with a performance of the whole piece, followed with the score closely by everyone present. Juliana Moreno offered a transparent reading, interacting accurately with the tape. She showed all her experience with this kind of music.

+ info on Mauricio Sotelo: www.mauriciosotelo.org

Clase abierta a cargo de Carmelo Saitta, Jueves 6 de marzo.

Fiel a la modalidad planteada en todos estos encuentros, los asistentes apreciaron sin ningún tipo de introducción previa un fragmento de la "Fantasía recurrente" de Carmelo Saitta, para flauta y trío de cuerdas. En esta oportunidad la asistencia fue mayor, ya que el objetivo de estas"Clases abiertas" es brindar claves a los no especializadospara poder disfrutar de la música escrita en nuestra época. Sin embargo tenemos que admitir que la mayor parte del público era, previsiblemente, compositores y estudiantes de composición.

El compositor ordenó el encuentro en tres partes. Primeramente explicó algunas relaciones entre el sistema tonal y la escala de armónicos, y ciertas relaciones entre sonido y lo que llamamos ruido. Esto sirvió para que analizara el sistema de alturas que empleó para escribir esta obra, basada en un conjunto de bicordios y todos los sonidos adicionales que se producen acústicamente a través del mismo, obteniendo de esta forma un repertorio de acordes y escalas, del cual no se aparta en toda la pieza. Este sistema produjo una obra quizá un poco atípica comparada con el resto de la producción de Carmelo, pero con su sello indeleble de claridad conceptual, transparencia e incuestionable oficio y musicalidad. El carácter diatónico de la parte de flauta iba a contrastar con el resto de las piezas del futuro concierto, equilibrando positivamente el repertorio de obras escuchadas. En la tercera parte de su exposición, el compositor ejemplificó y clasificó "estructuras no temperadas", punto importante teniendo en cuenta las características del concierto del 8 de marzo. Además compartió apreciaciones generales sobre su visión de la música y los desafíos que hoy día enfrentan los compositores.

A lo largo de todo el encuentro Carmelo Saitta fue extremadamente claro y conciso, fruto de sus más de treinta años de experiencia como docente universitario. El encuentro terminó con la interpretación de la "Fantasía recurrente", en la que Juliana Moreno –a quien la obra está dedicada- fue acompañada por Pablo Jivotoschii en violín, Romina Oviedo en viola y quien les escribe en violonchelo. Todos ofrecieron una versión que contó con la dedicación y el compromiso que la ocasión demandaba.

+info sobre Carmelo Saitta: http://www.fbbuenosaires.com.ar/participantes/carmelo_saitta.html
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Open workshop by Carmelo Saitta, Thursday March 6th.

According to the way of all these workshops, the audience listened without any kind of intro a fragment of "Fantasía recurrente" by Carmelo Saitta, for flute and string trio. More people attended than the previous day, given that the goal of these "open workshops" is to give cues to non-initiated to appreciate music written nowadays. Although we have to admit that most were, it was foreseeable, composers and composition students.

Carmelo organized the meeting into three parts. He explained firstly some relationships between the tonal system and the harmonics scale, and also some relationships between sound and what we call "noise". This led to the tone system he created to write the work, which is basically a number of bichords and the additional sounds they produce acoustically, getting this way a repertoire of scales and chords kept along the whole piece. What resulted in an atypical music, if one considers his previous production, but still with his personal mark of transparency, conceptual clarity, and musicality. The diatonic character of the flute part would contrast with the rest of the music performed in the future concert, balancing positively the program. In the third part the composer devoted himself to explain and classify "non-tempered structures", an important issue taking into account the character of Saturday’s concert. Then he shared his point of view about music in general and the challenges a composer nowadays must face.

Carmelo Saitta was extremely clear and concise during the encounter, what demonstrated his more than thirty years of experience as college teacher. All ended with the performance of "Fantasía recurrente" where Juliana Moreno -to whom the piece is dedicated- was accompanied by Pablo Jivotoschii on violin, Romina Oviedo on viola and who writes ..o. All offered a version with a commitment according to the occasion.

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Concierto del 8 de marzo. Epiphaneias... Música e imágenes

Teniendo en cuenta que la sala en la que presentamos el concierto no es un teatro, la situación se veía compleja: luces para puesta en escena, proyección de videos en algunas piezas, utilización de un gong en la pieza de Gandini, trío de cuerdas para acompañar la de Carmelo, dispositivo electroacústico en vivo, amplificación en las piezas electrónicas... Además nos encontramos con un problema inesperado: la afluencia de público superó la capacidad de la sala. Muy a nuestro pesar algunos de los asistentes no pudieron disfrutar del concierto.

Juliana Moreno mantuvo la atención del auditorio desde el principio hasta el final del concierto. Todas las dificultades propias planteadas por cada una de las obras (y su respectiva "puesta en escena") las resolvió con mucha solvencia: los movimientos que necesitaba la obra de Takemitsu, presentada a contraluz detrás de un vidrio, la relación entre sonidos hablados y tocados en Saariaho, la impetuosidad exigida por Toledo, la tranquilidad en Gandini, la línea melódica en Saitta y la interacción con la cinta en la pieza de Sotelo. Una mención aparte merece el sinnúmero de técnicas extendidas que tuvo que emplear a lo largo de todo el concierto, sin caer en ningún momento en "efectismos" ajenos al devenir musical.

Las imágenes, luces y videos, en fin, toda la "mise en scène" de María Gabriela Pellegrini potenció siempre la música y ayudó a escuchar. Una mención aparte merece su intervención del espacio, que produjo para todo este ciclo y que consiste en grafías pintadas en las paredes del Centro Cultural. Estos dibujos, que remiten a Kandinsky y a Miró, van a vestir la sala para todo el resto de los Seminarios, Clases y Conciertos del ciclo. Nahuel Sauza encontró soluciones para todos los desafíos tecnológicos que planteó esta empresa, además de hacerse cargo con musicalidad del "live electronics".

El público devolvió con sostenidos aplausos todo el esfuerzo ofrecido por los participantes.

info sobre:

Kaija Saariaho: www.saariaho.org

Gerardo Gandini: www.myspace.com/gerardogandini

Marcelo Toledo: www.myspace.com/marcelotoledo

Concert, Saturday March 8th. Epiphaneias…Music and images

Taking into account that the place of the concert was not a theatre the picture looked like quite a challenge: scene lights, video projection, a gong for Gandini’s piece, string trio to accompany Carmelo’s, live electronics, sound equipment… Indeed we faced an unusual problem in the contemporary music field: there were more people than places. It was a pity, but some –luckily not many- have missed the concert.

Juliana Moreno kept the audience’s attention from the very beginning up to the end. She dealt successfully with every particular situation in each piece and the correspondent mise en scène: her movements in Takemitsu, performed in backlighting against a grinding glass, the relation of spoken and played sounds in Saariho, the impulsiveness demanded by Toledo, the tranquillity in Gandini, melodic line in Saitta and interaction with the tape in Sotelo. She had to employ an endless number of extended techniques, always in consonance with the music she presented, never falling down into a mere effectiveness.

Images, lights and videos, that is, a whole "mise en scène" conceived by María Gabriela Pellegrini powered the music and helped to listen. Her "space intervention" was produced for the whole festival and consists of different graphics painted on the walls of the Cultural Centre. These pictures, which relate to Kandinsky and Miró, will dress the place for the rest of workshops and concerts. Nahuel Sauza found solutions to each technological problem that showed up. Besides, he played musically the live electronics.

The audience returned with a close applause all the effort offered by everyone involved.

Nueva entrada: 8 de marzo de 2008.

Nota en ADN Cultura, La Nación

Afortunadamente el Ciclo tuvo algo de repercusión en la prensa. Ésta es la nota que hizo al respecto Pablo Gianera.

Here is a press review about the festival, by Pablo Gianera.

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Nueva entrada: 29 de marzo de 2008

Salió una entrevista a Josetxo en "Euskalkultura".

Este es el link: www.euskalkultura.com/index.php?artiid=6844

Nueva entrada: 16 de marzo de 2008

Crónica de la segunda semana

Second week chronicle

Aquí abajo se puede escuchar parte del concierto:
Down here you can listen to excerpts of the concert

"LA INFLUENCIA DEL FOLKLORE EN LA MÚSICA CONTEMPORÁNEA"

Josetxo Silguero Gorriti: saxofones tenor & soprano

Tre Pezzi (1956)

Giacinto Scelsi (1905-1988)

Épisode Quatrième (1982) *

Betsy Jolas (1926)

Les non dupes errant **

Jorge Sad (1959)

Duduk I (2000) *

Gabriel Erkoreka (1969)

Hard (1998)*

Christian Lauba (1952)

* primera audición en Argentina

** estreno absoluto

NOTAS AL PROGRAMA

Introducción

La presente selección de obras tratará de poner en relieve, por una parte, la cercanía reinante hoy día entre los denominados "compositores de música contemporánea" y su entorno musical contemporáneo, creadores con una curiosidad artística abierta a influencias de otras músicas (extra-europeas, jazzísticas, electrónica, etc); y por otra mostrar, a través de un abanico de obras, las inmensas posibilidades tímbricas del saxofón, instrumento relativamente antiguo, inventado hace más de 150 años por Adolfo Sax (1814-1894), el cual personaliza en la actualidad técnicas antes llamadas de avant-garde, como los "multifónicos" (acordes), digitaciones enarmónicas (proporcionando diferentes colores a una misma nota), soplo-continuo, micro-interválica, etc…, habituales en el instrumento contemporáneo perfeccionado.

El concepto de "World Music" es importante para explicar los variados fenómenos musicales del Siglo XX. La expansión intensa de las comunicaciones favorece la exploración de diferentes sociedades culturales. En los años 80, "World Music" era un término práctico para describir la "música popular fusionada con la música étnica". Este hecho provocó que el público asociara dicho término con el nacimiento de este nuevo género musical. En general, podemos distinguir dos géneros de distinción: uno de ellos referido al material, esto es, al empleo de escalas no-occidentales, de patrones rítmicos, de micro-intervalos, y el otro referido a un contexto musical exterior, por ejemplo, la idea de realizar música para el mundo entero (donde la obra Telemusik de Stockhausen sería un claro ejemplo). Estas definiciones de "World Music" son asociadas más o menos a los compositores del presente programa.

Las obras

La idea de "World Music" se refleja particularmente en la obra composicional de Giacinto Scelsi. En su juventud, Scelsi realizó la vuelta al mundo, impregnándose de diferentes culturas artísticas, sobre todo de la música tibetana e india. Scelsi criticó con dureza la música occidental, sobre todo su punto de atención primario sobre la estructura y su falta de atención por las "leyes sonoras, de energía y de su vida misma". Scelsi se sirve en diferentes ocasiones del título Tre Pezzi (1956). En 1956 escribe, para diferentes instrumentos a solo, varias obras independientes llevando dicho título. Todas las Tres Piezas utilizan como fórmulas melódicas, un limitado número de notas que son repetidas con patrones rítmicos variados, a semejanza del solo de fagot del inicio de La Consagración de la Primavera. La primera pieza de esta obra para saxofón soprano contiene dos voces distintas. La nota continua Do se encuentra en la voz aguda. La voz inferior engloba diferentes notas continuas, relacionadas entre sí mediante patrones en arabescos que sugieren músicas orientales. La segunda pieza, Dolce, meditativa, gira entorno a una escala diatónica y es la más melódica de las tres. Podemos encontrar aquí métodos de composición de Scelsi inspirados en la teosofía espiritual y la práctica del yoga. La tercera pieza ofrece un sabor pentatónico de cantos de pájaros fluctuando en el registro agudo.

La música de Betsy Jolas definitivamente forma parte de la tradición por el timbre. La serie Episodes engloba nueve obras a solo para diferentes instrumentos. Este Episode 4 puede ser descrito como una gran línea melódica disimulada por numerosas técnicas instrumentales avanzadas. La melodía parte de una sola nota coloreada de vibrato, flatterzunge, golpes de llaves y cambios radicales de matices. El soplo-continuo (técnica consistente en la inhalación por la nariz simultáneamente a la exhalación por la boca) es un aspecto necesario en la ejecución, ya que la primera frase dura cerca de 60 segundos de sonido ininterrumpido. La obra explota diferentes técnicas tales como cantar a través del instrumento, trinos de timbre realizados por alternancias enarmónicas de digitación, microtonos y multifónicos, pero exprimiendo en todo caso el lirismo propio del saxofón tenor, en lo que concierne a su naturaleza esencialmente instrumental.

Jorge Sad es el compositor que presenta el estreno previsto en este programa. "Les non dupes errent" ha sido compuesta por encargo de Martín Devoto, organizador del I Ciclo "Instrumentos solos" del CCEBA (Centro Cultural de España en Buenos Aires) y dedicada a Josetxo Silguero Gorriti. La pieza esta íntegramente compuesta a partir de un algoritmo que permite, introduciendo una "semilla" de partida muy reducida, como un par de intervalos o notas, expandirlos realizando transposiciones y ampliaciones del material de manera recursiva. De tal manera, los diferentes tipos de acción, ritmos, modos no tradicionales de toque instrumental, vendrán a aportar una dimensión suplementaria, absolutamente libre, al riguroso tratamiento de la organización de los perfiles melódicos. A nivel estilístico la pieza oscila continuamente entre la cita al Free-Jazz y la exploración de las técnicas extendidas utilizadas por el instrumento en la música contemporánea. El título es parte del objeto creado, no necesariamente nombra la música, pero hace alusión a un juego de palabras utilizado por Lacan ("Los no incautos erran" en homofonía con "los nombres del padre" que, en el contexto de esta obra, remite al efecto de deriva constante que sugiere el procedimiento técnico adoptado para engendrar el material, que fue utilizado por primera vez en la obra "In memoriam Ñato" para trompeta y electrónica en vivo.

Gabriel Erkoreka (Bilbao 1969) es uno de jóvenes compositores españoles de mayor proyección internacional, residente desde hace años en Londres. En sus obras ha ido reflejando su preocupación por diferentes culturas y sociedades musicales (Armenia, Grecia, la cultura aborigen australiana, la sociedad pigmea, etc). Su serie DUDUK consta de tres obras, siendo la primera para saxofón soprano, la segunda para cuarteto de saxofones y la tercera para trío de 2 oboes y corno inglés. Estrenada por Josetxo Silguero en el Festival BBK "Música del siglo XX" el 20/XI/2000, DUDUK I hace clara alusión al instrumento nacional armenio, el Duduk, especie de oboe tradicionalmente construido en madera de albaricoque. Éste nunca se toca en solitario, sino acompañado por otros instrumentos de mayor tamaño llamados ’duduk-bordones’, que funcionan como soporte armónico al instrumento principal manteniendo bordones por un tiempo ilimitado mediante el uso del ’soplo continuo’. La cálida sonoridad nasal y un tanto plañidera del duduk (a pesar de ser un instrumento de doble lengüeta) es muy parecida al timbre que, utilizando determinadas técnicas, puede conseguirse con un saxofón soprano. La obra juega con el ’problema’ de proporcionar bordones, que no están presentes como tales, por medio de distintos tratamientos. Al mismo tiempo, la polarización que existe entre bordón y melodía, llevada a sus extremos, propone experimentar con el material de forma tal que refleje un, igualmente, extremo trasfondo emocional: El trauma que brota de la añoranza por la tierra perdida junto con un instinto de supervivencia que caracterizan al pueblo armenio.

Para terminar este recorrido sonoro, el tunecino Christian Lauba nos acerca de una manera contundente a la música de inspiración funky/hard rock/soul music, músicas a menudo improvisadas, pero que las acota en una escritura tremendamente precisa y compleja. Su "HARD", de lectura virtuosa, debe dar la impresión de ser una gran improvisación que debe retener al intérprete y público en "trance" donde el punto culminante será el grito final de liberación. El compositor ha conservado la energía del rock sin querer rivalizar con un modelo ya estándar. La estilización de este género recuerda el desarrollo que Bach realizó en sus Suites (Sarabande, Allemande, Courante, Gigue) con formas bien estilizadas.

Los compositores

GIACINTO SCELSI (1905-1988)

Casi no puede hablarse de Giacinto Scelsi en los términos al uso para los demás compositores, pese a ser uno de los más importantes e influyentes de la segunda mitad del siglo XX. Algunos lo han situado más bien en el territorio de la mística; de hecho, él siempre pensó que en sus improvisaciones resonaban ciertos influjos cósmicos, convirtiéndose de esta manera en canales de energía que unían nuestra realidad con otra superior. Giacinto Maria Scelsi, conde de Ayala Valva, nació en La Spezia el 8 de enero de 1905. Estudió composición y armonía en Roma, Viena y Génova. En París frecuentaría los círculos artísticos más avanzados, entablando amistad, entre otros, con Paul Eluard, Salvador Dalí o Henri Michaux. Emprende extensos viajes por África y Asia, fructíferos en lo que se refiere a sus posteriores concepciones filosóficas y musicales. En la década de los cuarenta sufre una profunda crisis nerviosa, con largo periodo de internamiento, descubriendo que ésta va remitiendo a medida que toca una sola nota al piano durante horas, dejando que el sonido se desvanezca en el aire. En 1952 regresa a Roma, vive apartado y en régimen casi ascético, pero organiza exposiciones de arte contemporáneo y entra en contacto con el grupo de compositores conocido como «Nuova consonanza», entre los que destaca Franco Evangelisti. Comienza a publicar su poesía en lengua francesa, que alcanzará los cuatro volúmenes. Con Cuattro Pezzi para orquesta (1959), cada una sobre una única nota, alcanza Scelsi su madurez creativa, y a partir de este momento compone piezas que, si bien pasan desapercibidas inicialmente, serán fundamentales para comprender el devenir de la música de finales del XX: Cuarteto n 4 (1964), Canti del Capricorno (1962-1972), Anahit (1965), Pranam (1972-1973), Hymnos (1963)... Giacinto Scelsi entraría en coma el 8-8-88 (fatídica fecha para quien siempre experimentara auténtico pavor ante esa cifra, el ocho, símbolo para él del infinito), falleciendo al día siguiente. Como es el caso de algunos escritores de marcada personalidad (J.D. Salinger o Thomas Pynchon, por ejemplo) deseosos de que el público focalice su atención exclusivamente sobre la obra y no sobre la vida del artista, de Scelsi tan solo existe una fotografía pública.

BETSY JOLAS (1926)

Nace en Paris en 1926. En 1940 se establece en USA durante seis años, cursando diversos estudios musicales, regresando nuevamente a París para concluir sus estudios con Darius Milhaud y Olivier Messiaen. Recibe numerosos premios internacionales de composición (Fundación Copley de Chicago-1954; O.R.T.F-1961; American Academy of Arts-1973; Fundación Koussevitsky-1974; Gran Premio Nacional de Música de Francia-1974; Gran Premio Villa de París-1981; Gran Premio SACEM-1982). Desde 1971 Jolas remplaza a Olivier Messiaen en el CNSM de París, siendo nombrada primeramente profesora de Análisis en 1975, y más tarde profesora de Composición en 1978. Ha impartido numerosos cursos en universidades americanas tales como Yale, Berkeley y Mills Collage. Sus obras, escritas para las más variadas formaciones, han sido estrenadas principalmente en los Domaine Musical, Festivales de Tanglewood, Holanda y Royan, y son interpretadas en el mundo entero por reconocidos ensambles y solistas, como el Ensemble Intercontemporaine, Percussions de Strasbourg, Londo Sinfonietta, etc. Sus grabaciones para EMI, Erato y Adés han recibido diversos Grand Prix du Disque. Amante de la música de jazz y guiada por un fino sentido poético, se muestra reticente al legado del serialismo y crea una síntesis personal de los lenguajes musicales vivos, con una particular atención a la magia del sonido instrumental.

JORGE SAD(1959)

Jorge Sad. Buenos Aires 1959. Compositor e investigador. La estética y la gestualidad del ¨art rock¨ está presente en sus obras electroacústicas y de cámara a partir de obras como El ave roc (1993), Vox II (1995) y Klang/Clan (1997). Ha trabajado en colaboración con artistas como Margarita Bali (Zoom in Look Out, Pizzurno Pixelado), Deborah Lynne (Retransmisión) y con músicos como Marcelo Moguilevsky, Ana Foutel, Juliana Moreno, Martín Devoto, Germán Meira, Enrique Entenza, Javier Mariani Claudio Eiriz, Nora García, y con el grupo de música ¨Los Señores¨, mezclando su CD Quién te corre?¨. Como profesor de composición participó activamente de la formación de numerosos jóvenes compositores entre los que se cuentan Christian Dergarabedian (earzumba) Pablo Espada ,Germán Meira, Antonio Moliterni , Matías Giuliani , Santiago Diez Fischer, entre otros. Director de ¨El colectivo de creación sonora¨ (Devoto, Entenza, Moreno, Meira) y ¨Gest(u)alt Ensamble¨ (Eiriz, Moreno, Mariani) grupos de ¨improvisación orientada a objetos¨con los que publicó dos CD.s indepentientes ¨Músicas de una etnia imaginaria¨ y ¨Retransmisión¨. Ha recibido encargos de El Estudio Musique & Recherches (Bélgica), el Ciclo de música contemporánea del Teatro San Martín, de la Fundación Música y Tecnología, del Centro Cultural Ricardo Rojas y del Centro Cultural España Buenos Aires. Obtuvo Numerosos premios nacionales (entre ellos el Premio Municipal) y varias distinciones internacionales entre las que se cuentan el haber sido finalista en los concursos internacionales Métamorphoses d..Orphée, (Bélgica), Xicoatl (Austria) y Pierre Schaeffer (Italia), siendo también preseleccionado en tres oportunidades en el concurso Internacional de Bourges (Francia). Dirigió el IIESMUMD en la Universidad de Morón entre 1997 y 2007, desarrollando una intensa actividad de investigación en semiótica de la performance y la interacción con nuevas tecnologías, a la vez, creó un espacio de formación de nuevos compositores, intérpretes y tecnólogos, recibiendo apoyos de la Fundación Antorchas y el Fondo Nacional de las Artes. Desde 1988 Produjo una enorme cantidad de conciertos con el apoyo de las Embajadas de Finlandia, Canadá, Noruega , Suecia , Estados Unidos y España entre otros organismos internacionales. Como docente, se destacan los cursos de composición dictados en el Centro Cultural Recoleta ( 2006) y en el Laboratorio de Informática y electrónica musical de Madrid ( 2006) (destinado a becarios de toda Latinoamérica) y el curso de Postrado en semiología musical dictado en la Universidad de Buenos Aires ( 2007). Actualmente es profesor de composición instrumental y electroacústica en el Conservatorio de Morón y docente en la Escuela Nacional de Experimentación y Realización Cinematográfica. (Enerc)-

Natural de Bilbao, estudia con Juan Cordero y Carmelo Bernaola en el Conservatorio Superior "J.C. de Arriaga" y en la Escuela Superior de Música "J.Guridi" de Vitoria obteniendo Matrículas y Premios de Honor en Composición, Piano y Música de Cámara. En 1995 es admitido en la Royal Academy of Music de Londres donde realiza los estudios de postgrado de Composición con Michael Finnissy obteniendo el Diploma de excelencia RAM y un Master con distinción por la University of London. También ha participado en varios cursos, masterclasses y simposios ofrecidos por G. Ligeti, L.Berio, F. Donatoni, H. Birtwistle, L. de Pablo. Sus obras han sido interpretadas en el Festival de Música del Siglo XX de Bilbao; en Musikaste de Rentería; en la temporada de la Orquesta Sinfónica de Euskadi; en el Festival Internacional de Alicante; en el Centro de Arte Reina Sofía; Fundación Juan March y el Auditorio Nacional de Música de Madrid; en el Donatoni Festival de la Royal Academy of Music de Londres; en el ISCM World Music Days 1998 de Manchester; en el Toru Takemitsu Award Festival 1999 en Tokio e, igualmente, en otras ciudades como París, Amsterdam y Berlín. También han sido grabadas y retransmitidas por RNE, la BBC y la WDR de Colonia, y algunas de ellas han sido editadas en CD por la Fundación BBK-LIM Records y por la Fundación Autor. Ha sido galardonado en diferentes concursos obteniendo diversos premios por sus composiciones entre los que cabe destacar: el Primer Premio de la SGAE 1996; el Premio del Gobierno Vasco en 1999; el Josiah Parker Prize y otros premios en la Royal Academy of Music. Ha sido elegido por RNE para participar en la Tribuna Internacional de Compositores de la UNESCO, y para la 1998 Gaudeamus Music Week. Ha recibido encargos de diversas instituciones como el INAEM, el Nieuw Ensemble, la Royal Academy of Music Symphony Orchestra, la Quincena Musical Donostiarra y la Orquesta Sinfónica de Bilbao.

CHRISTIAN LAUBA (1952)

Nacido en Sfax (Túnez, 1952), desde su juventud cultiva su ambigüedad y la plena libertad, sin afiliarse a ningún estilo composicional. Realiza estudios musicales con Michel Fusté-Lambezat en el CNR de Bordeaux, donde obtendrá en 1983 su premio de composición y el de la SACEM. En 1993 es nombrado profesor de análisis en dicho conservatorio. En 1994 recibe el 1º Premio en el concurso de composición del Institut für Neue Musik de Berlín. De 2004 a 2007 fue el director artístico de la Orquesta Nacional Bordeaux-Aquitaine, siendo nombrado en 2007 compositor en residencia del 36º Festival Musique sur Ciel de Cordes (Tarna). Su mayor interés radica en el aspecto de las técnicas de interpretación extendidas (slap, soplo-continuo, multifónicos, sobreagudos, diferentes modos de ejecución, etc). En su producción podemos encontrar un gusto pronunciado por las atmósferas eléctricas, y los movimientos agitados. Su creación nace, en su mayor parte, de síntesis; síntesis de diversos lenguajes, populares y cultos; de músicas escolásticas o exóticas. Lauba crea un lenguaje original (fundamentalmente idiomático) susceptible de contener una nueva expresión, sobre todo en sus obras para saxofón, instaurando un nuevo equilibrio "clásico" guardando los elementos comunes del lenguaje de la música popular y académica de su época, y afirmando que "este trabajo de síntesis es hoy en día complejo, ya que contrariamente a otras épocas, todos los lenguajes musicales coexisten a la vez en el especio y en el tiempo". Esta síntesis universal de la tradición escrita resulta, por tanto, inevitable. Christian Lauba representa un claro ejemplo de la llamada Escuela de Bordeaux.

Clase abierta a cargo de Josetxo Silguero, saxofón, jueves 13 de marzo

Open workshop by Josetxo Silguero, sax, Thursday March 13th.

Seminario a cargo de Jorge Sad, miércoles 12 de marzo.

El comienzo tuvo una leve cuota de intriga. Un intérprete extranjero tocando una rareza dentro de la producción de Jorge Sad: una obra para instrumento solo sin parte de electrónica.
El compositor empezó su exposición explicando el modelo de Meyer/Namour, que analiza las implicaciones ligadas al acto de escuchar un evento musical. Un campo quizá ignorado por compositores de períodos anteriores, pero uno de los tantos sobre el que reflexionaron distintas corrientes del siglo XX. La relación entre esta detallada introducción y la obra escuchada no resultaba tan evidente, pero era simplemente una falsa primera impresión. Seguidamente el compositor compartió el trabajo previo a la escritura de la pieza, basado en dos aspectos. El primero consistió en diseños melódicos elaborados a partir de un perfil, una idea extremadamente simple. Dos intervalos ascendentes seguidos de dos descendentes. De sus variaciones posibles a través de "Open Music" el compositor iba luego a seleccionar algunas. El segundo aspecto parecía antagónico: se dedicó a sintetizar sonidos de saxo, imitando hasta el ruido de las llaves, sin utilizar absolutamente ningún sample. Trabajar tomando materiales tan antagónicos se presentaba como un desafío, "el desafío que quise asumir", según el propio compositor. A partir de ahí surgieron bastante preguntas, que Jorge Sad contestó pacientemente.
La segunda audición de "Les non dupes errent" fue reveladora. Siguiendo la partitura era evidente cómo el compositor había trabajado teniendo en cuenta las apreciaciones de Meyer, junto a, por supuesto, su propia elaboración crítica. Los perfiles melódicos interactuaban con absoluta naturalidad con todo tipo de timbres obtenidos por el instrumentista. Se podría decir que para Jorge Sad la escritura instrumental es simplemente un medio más para producir una música cuyas bases hay que buscarlas en la acusmática, campo en el que denota una extensa trayectoria. Josetxo Silguero ofreció una versión notable. Nada más gráfico para describir su actuación que las elogiosas palabras del compositor: "En sus manos el saxo funciona como un sintetizador, accionado a través de llaves y aire".
Un plus del encuentro fue que se pudo apreciar claramente la interacción entre intérprete y compositor. Cambios producidos en la obra fruto del trabajo conjunto no estaban "actualizados" en nuestra partitura de mano. Como bien dijo Josetxo: "La obra todavía está viva".

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Workshop by Jorge Sad, wednesday March 12th.

All began with one slight quota of intrigue. A foreign interpreter playing a peculiarity within Jorge Sad’s production: a solo instrument piece without electronics.
The composer started explaining the model of Meyer/Namour, which analyses implications derived from the act of listening to a musical event. A field perhaps ignored by composers of previous periods, but one of so many on which different currents from last Century reflected. The relationship between this detailed introduction and the music heard before was not so evident, but this was only a false first impression. Next the composer shared the previous work to the writing of the piece, which was based on two aspects. The first one was extremely simple: a melodic profile consisting of two ascending intervals followed by two descending ones. Of its possible variations through the software "Open Music" he was going to select some. The second aspect seemed rather opposed: synthesized sounds of sax, even imitating key strikes, using no samples at all. To work out a piece departing from such antagonistic materials seemed quite a challenge, "the challenge I wanted to assume", according to his own words. At this point some questions appeared, and the composer answered them patiently.
The second hearing of "Les non dupes errant" was revealing. Following the score it was evident how the composer had worked considering the appreciations of Meyer, through, of course, his own critical amplification. The interaction between the melodic profiles and all kind of sound and timbres obtained by the instrumentalist seemed absolutely natural. It could be said that for Jorge Sad instrumental writing is just a different mean to produce a music whose bases are to be found in acusmatics, field in which he denotes an extensive trajectory. Josetxo Silguero offered a remarkable version. Nothing more graphical to describe his performance than the highly favourable words of the composer: "In his hands the sax works like a synthesizer, controlled through keys and air".
And extra of this meeting was that we could clearly appreciate the interaction between interpreter and composer. Team work led to changes in the piece, which were not "updated" in our hand scores. As Josetxo has well said: "The piece is still alive"

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Nueva entrada: 13 de marzo de 2008

En un diario vasco salió una nota referente a las actividades del saxofonista Josetxo Silguero.

There is a press review about Josetxo Silguero:

http://www.euskalkultura.com/index.php?artiid=6808